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SUMMARY:Rapid Zen · STANZER:MOODY
DESCRIPTION:Free improvisation trio Rapid Zen crafts an unexpected sonic dimension that constantly reshapes itself between chaotic and meditative collages. Thru layers of turntablism\, extended double bass\, inventive percussion and fragmented vocal interventions\, RZ interacts fluently standing far from any predictable label. Since 2024 Rapid Zen is active in the avant garde jazz and free improvisation scene and their debut album Fried Brain released by greek label Defkaz has collected excellent reviews. \nGonçalo Almeida (Lisbon) is a Portuguese double bassist based in Rotterdam\, the Netherlands. With a strong interdisciplinary and collaborative approach to his work\, Gonçalo plays in a variety of projects that go from modern jazz\, free jazz\, jazzcore and free improvised music\, having shared the stage with improvisers such has Ab Baars\, Balasz Pandi\, Chris Speed\, Carlos Zíngaro\, Ig Henneman\, Fred Lonberg-Holm\, Jasper Stadhouders\, Jorrit Dijkstra\, Luis Vicente\, Luis Lopes\, Martin van Duynhoven\, Nina Hitz\, Peter Jacquemyn\, Rodrigo Amado\, Susana Santos Silva\,Tobias Klein\, Wilbert de Joode\, among others.​ Devoted to double bass solo\, already with five solo albums\, and maintaining an active role in presenting himself on concert solo format\, he is as well the founder and bass player of Hydra Ensemble\, Lama Trio\, Albatre\, The Attic and member of Spinifex\, The Selva\, Tabula Sonorum Duo and Luis Vicente trio.\nhttps://gonzobass.wixsite.com/gonzoalmeida \nBarbara Togander (SWE) is a vocal artist\, turntablist\, free improvisor\, composer and sound artist born in Uddevalla\, Sweden\, currently based in Barcelona. She has lived more than 40 years in Buenos Aires\, Argentina\, where in the early 90’s she delves into free\, experimental music and free improvisation where she deepens in the sound possibilities of the voice\, the turntable and electronics. With 14 albums released up to date she has played and collaborated with a great number of musicians and groups such as Otomo Yoshihide\, Julián Galay\, Enrique Norris\, Vinzenz Schwab\, Andrea Parkins\, Philip Leitner\, Christoff Kurzmann\, Christian Reiner\, Capitanes de la Industria\, Manolo Rodriguez\, Carlos Costa\, Larry Polansky\, Chris Mann\, Camila Nebbia\, Violeta García\, Dieb13\,Santiago Vazquez\, Paul Pignon\, Luis Conde among many others.\nhttps://www.barbaratogander.com/ \nVasco Trilla (Barcelona) is one of the most active\, versatile and creative drummers of the European scene. He has recorded more than 100 albums ranging from free improvisation\, jazz rock to progressive rock metal and ambient music. In recent years he has become one of the most solid and in-demand voices of the European free improvised scene. He has collaborated with Jamaaladeen Tacuma\, Ra Kalam\, Bob Moses\, Mars Williams\, Patrick Shiroishi\, Elliot Sharp\, Steve Swell\, Susana Santos Silva\, Jasper Stadhouders among many others.  He has toured internationally including Brasil\, China\, Indonesia\, Russia\, Norway\, Poland Portugal\, Germany.\nhttps://vascotrilla.com/
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SUMMARY:What’s Up Vienna! What’s Up Montréal!
DESCRIPTION:Mit Steve Bates · Martin Brandlmayr · Stephanie Casonguay · Gabriela Gordillo · Michaela Grill · Christof Kurzmann · Mark Molnar · Noid · Sophie Trudeau · Elizabeth A. Vagagic · Sara Zlanabitnig \nWhat’s up Vienna! What’s up Montréal! ist eine kulturübergreifende Veranstaltungsreihe und Multimedia-Festival\, das Wien und Montréal als lebendige Zentren experimenteller Musik\, Klangkunst\, Performance\, Film und Video miteinander verbindet. Die Reihe die bereits 2010 zum erstmals durchgeführt wurde\, wird von Michaela Grill\, Christof Kurzmann und Steve Bates kuratiert und bringt Künstlerinnen aus beiden Städten zusammen\, um neue künstlerische Begrifflichkeiten und interdisziplinäre Arbeitsweisen zu erkunden. Im Mittelpunkt stehen grenzüberschreitende künstlerische Begegnungen: Die teilnehmenden Positionen demonstrieren die Vielfalt und Eigenständigkeit ihrer experimentellen Ansätze\, indem sie gemeinsam performen\, kollaborieren und innovative Formate entwickeln. Projekte und Performances reichen von audiovisuellen Experimente bis hin zu performativen Interventionen\, die lokale Szenen sichtbar machen und internationale Vernetzung fördern. Die Reihe bietet den teilnehmenden Künstlerinnen die Möglichkeit\, längerfristige Kooperationen zu initiieren und die kreativen Potenziale jenseits etablierter Konventionen auszuloten. \nProgramm \n24. April 2026\, 20:00 Uhr\nMark Molnar / Sara Zlanabitnig\nElizabeth Anka Vajagic / Steve Bates / Christof Kurzmann \nSteve Bates ist ein Künstler und Musiker\, der sich in seiner Arbeit auf Schwellenwerte\, Kontaktpunkte und Rückkopplungen konzentriert. Seine Projekte befassen sich mit Themen wie Stacheldraht\, Halluzinationen und der „Klang der Hölle“. Bates arbeitet häufig vor Ort und mit dem Radio und hat Werke in Nordamerika\, Europa\, Chile und Senegal präsentiert. Er ist Mitgründer des Projekts The Dim Coast und hat zahlreiche Performances und Ausstellungen realisiert. \nMartin Brandlmayr\, geboren 1971 in Bad Ischl\, ist ein Schlagzeuger\, der an der Schnittstelle von Improvisation und Komposition arbeitet. Er ist für seinen experimentellen Stil bekannt\, der akustische und elektronische Elemente verbindet. Brandlmayr ist Mitglied der Bands Polwechsel\, Trapist und Radian. Er hat international mit Künstlern wie David Sylvian und Christian Fennesz gearbeitet und wurde 2018 mit dem Karl-Sczuka-Preis ausgezeichnet. \nStephanie Castonguay ist eine autodidaktische Künstlerin aus Montreal\, die sich durch ihre Experimentierfreude in der Kunst auszeichnet. Sie erschafft ihre Werke\, indem sie DIY- Instrumente verwendet und weiterentwickelt\, um Klang und Schaltkreise zu erforschen. Castonguay nutzt vintage Maschinen\, um deren Resonanzen und unvorhersehbare Klänge hörbar zu machen. Ihre Werke wurden auf zahlreichen internationalen Festivals präsentiert\, darunter LAB30 (DE)\, MUTEK (CA\, PE)\, und das Athens Digital Arts Festival (GR). Sie leitet auch Workshops in verschiedenen Ländern und ist Mitglied des Kollektivs Technologies of Consciousness. \nGabriela Gordillo ist eine visuelle Künstlerin\, Kulturvermittlerin und Produzentin. Sie lebt seit 2015 in Österreich und hat einen Bachelor in Visueller Kommunikation sowie einen Master in Interface Cultures. Ihr künstlerischer Fokus liegt auf Zeit\, Erinnerung und Archiv\, wobei sie Medientechnologien und Klangpraktiken einsetzt. Gordillo hat mit zahlreichen Künstlern zusammengearbeitet und ist aktiv in den Kollektiven bb15 und velak tätig. \nMichaela Grill studierte in Wien\, Glasgow und London (Goldsmith College). Diverse Film- und Videoarbeiten\, Installationen und Live-Visuals seit 1999. Performances und Screenings auf 5 Kontinenten\, u.a. im MOMA NY\, National Gallery of Art Washington\, Centre Pompidou Paris\, Museo Reina Sofia Madrid\, La Casa Encendida Barcelona\, ICA London und vielen Kinematheken. Ihre Videos wurden auf über 200 Festivals weltweit gezeigt. Erhielt 2010 den Outstanding Artist Award des österreichischen Ministeriums für Kunst und Kultur. \nChristof Kurzmann ist ein österreichischer Musiker und Elektronikkünstler\, der in den 90er Jahren mit dem Duo Extended Versions bekannt wurde. Er gründete das Orchester 33 1/3 und das Label Charhizma. Kurzmann hat mit verschiedenen Künstlern aus den Bereichen Jazz\, Rock und Elektronik zusammengearbeitet und tritt in Gruppen wie The Magic I.D. und El Infierno Musical auf. Sein Interesse liegt in der elektronischen Improvisation. \nMark Molnar\, ein in Ottawa ansässiger Instrumentalist\, spielt Streichinstrumente und Elektronik. Er ist Gründer von Black Bough Records und war Mitbegründer des Pleasure Through Sound Festivals. Molnar komponierte Musik für Theaterproduktionen und Filme und spielt in der Gruppe Kingdom Shore. Seine Kompositionen wurden auf Tourneen in Nordamerika und Europa aufgeführt. \nNoid ist ein Komponist\, Klangkünstler und Cellist. Seine Arbeit reicht von Solo-Cello- Stücken bis zu groß angelegten Installationen. Sein Hauptinteresse gilt der Erforschung von Raum und Klang. Noid hat mit zahlreichen Musikern wie Klaus Filip und Kazuhisa Uchihashi zusammengearbeitet. Seine Projekte wurden international aufgeführt und ausgestellt. \nSophie Trudeau: Kurz nach dem Abschluss ihrer klassischen Geigenausbildung schloss sich Sophie der genreübergreifenden Instrumental-Rockgruppe Godspeed You! Black Emperor an. Die mit dem Polaris Music Prize 2013 ausgezeichnete Gruppe ist international für die Intensität ihrer Live-Auftritte und die filmische Qualität ihrer Musik bekannt. In jüngster Zeit arbeitete sie mit der Choreografin Dana Gingras von Animals of Distinction und dem amerikanischen Filmemacher Jem Cohen zusammen. Sophie hält ihren internationalen Tourneeplan mit experimentelleren Projekten im Gleichgewicht. Die Arbeit mit bildenden Künstlern und Filmen war schon immer ein wichtiger Einfluss auf ihre Musik\, und ihre Arbeit war in zahlreichen Spiel- und Experimentalfilmen zu hören. \nElizabeth Anka Vajagic\, geboren in Montreal mit kroatischen Wurzeln\, ist eine Sängerin und Gitarristin. Ihre Musik kombiniert Elemente von Folk\, Blues und Post-Rock\, getragen von ihrer markanten Stimme und Gitarre. Verglichen mit Künstlerinnen wie Patti Smith\, ist Vajagics Stil einzigartig und roh. Ihr Debütalbum Stand with the Stillness of This Day erschien 2004 auf Constellation Records\, einem Label der Montréaler Post-Rock-Szene. \nSara Zlanabitnig ist eine österreichische Flötistin\, Improvisatorin und Klangkünstlerin mit Sitz in Wien. Ihr künstlerischer Schwerpunkt liegt auf frei improvisierter und experimenteller Musik\, wobei sie akustische Flöte mit Elektronik\, Effektgeräten und erweiterten Spieltechniken kombiniert. In ihren Arbeiten erforscht sie fragile Klangzustände\, Mehrklänge\, Mikrotonalität und die physische Präsenz von Atem und Resonanz. Neben ihrer internationalen Konzerttätigkeit ist Zlanabitnig kulturpolitisch engagiert. Sie ist Mitbegründerin der Plattform Fraufeld* zur Vernetzung von Musikerinnen in der improvisierten Musik\, Mit-Organisatorin des kollektiv kuratierten Festivals Jahresendzeitschokoladenhohlkörper sowie Teil des Leitungsteams des Wiener echoraum. Ihre Arbeit bewegt sich an der Schnittstelle von Improvisation\, Klangforschung und kollektiver Praxis
URL:https://www.phantanoise.com/event/whats-up-vienna-whats-up-montreal-2/
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SUMMARY:What’s Up Vienna! What’s Up Montréal!
DESCRIPTION:Mit Steve Bates · Martin Brandlmayr · Stephanie Casonguay · Gabriela Gordillo · Michaela Grill · Christof Kurzmann · Mark Molnar · Noid · Sophie Trudeau · Elizabeth A. Vagagic · Sara Zlanabitnig \nWhat’s up Vienna! What’s up Montréal! ist eine kulturübergreifende Veranstaltungsreihe und Multimedia-Festival\, das Wien und Montréal als lebendige Zentren experimenteller Musik\, Klangkunst\, Performance\, Film und Video miteinander verbindet. Die Reihe die bereits 2010 zum erstmals durchgeführt wurde\, wird von Michaela Grill\, Christof Kurzmann und Steve Bates kuratiert und bringt Künstlerinnen aus beiden Städten zusammen\, um neue künstlerische Begrifflichkeiten und interdisziplinäre Arbeitsweisen zu erkunden. Im Mittelpunkt stehen grenzüberschreitende künstlerische Begegnungen: Die teilnehmenden Positionen demonstrieren die Vielfalt und Eigenständigkeit ihrer experimentellen Ansätze\, indem sie gemeinsam performen\, kollaborieren und innovative Formate entwickeln. Projekte und Performances reichen von audiovisuellen Experimente bis hin zu performativen Interventionen\, die lokale Szenen sichtbar machen und internationale Vernetzung fördern. Die Reihe bietet den teilnehmenden Künstlerinnen die Möglichkeit\, längerfristige Kooperationen zu initiieren und die kreativen Potenziale jenseits etablierter Konventionen auszuloten. \nProgramm \n23. April 2026\, 20:00 Uhr\nSophie Trudeau / Michaela Grill\nStephanie Castonguay / Gabriela Gordillo\nMark Molnar / noid / Martin Brandlmayr \n24. April 2026\, 20:00 Uhr\nMark Molnar / Sara Zlanabitnig\nElizabeth Anka Vajagic / Steve Bates / Christof Kurzmann \nSteve Bates ist ein Künstler und Musiker\, der sich in seiner Arbeit auf Schwellenwerte\, Kontaktpunkte und Rückkopplungen konzentriert. Seine Projekte befassen sich mit Themen wie Stacheldraht\, Halluzinationen und der „Klang der Hölle“. Bates arbeitet häufig vor Ort und mit dem Radio und hat Werke in Nordamerika\, Europa\, Chile und Senegal präsentiert. Er ist Mitgründer des Projekts The Dim Coast und hat zahlreiche Performances und Ausstellungen realisiert. \nMartin Brandlmayr\, geboren 1971 in Bad Ischl\, ist ein Schlagzeuger\, der an der Schnittstelle von Improvisation und Komposition arbeitet. Er ist für seinen experimentellen Stil bekannt\, der akustische und elektronische Elemente verbindet. Brandlmayr ist Mitglied der Bands Polwechsel\, Trapist und Radian. Er hat international mit Künstlern wie David Sylvian und Christian Fennesz gearbeitet und wurde 2018 mit dem Karl-Sczuka-Preis ausgezeichnet. \nStephanie Castonguay ist eine autodidaktische Künstlerin aus Montreal\, die sich durch ihre Experimentierfreude in der Kunst auszeichnet. Sie erschafft ihre Werke\, indem sie DIY- Instrumente verwendet und weiterentwickelt\, um Klang und Schaltkreise zu erforschen. Castonguay nutzt vintage Maschinen\, um deren Resonanzen und unvorhersehbare Klänge hörbar zu machen. Ihre Werke wurden auf zahlreichen internationalen Festivals präsentiert\, darunter LAB30 (DE)\, MUTEK (CA\, PE)\, und das Athens Digital Arts Festival (GR). Sie leitet auch Workshops in verschiedenen Ländern und ist Mitglied des Kollektivs Technologies of Consciousness. \nGabriela Gordillo ist eine visuelle Künstlerin\, Kulturvermittlerin und Produzentin. Sie lebt seit 2015 in Österreich und hat einen Bachelor in Visueller Kommunikation sowie einen Master in Interface Cultures. Ihr künstlerischer Fokus liegt auf Zeit\, Erinnerung und Archiv\, wobei sie Medientechnologien und Klangpraktiken einsetzt. Gordillo hat mit zahlreichen Künstlern zusammengearbeitet und ist aktiv in den Kollektiven bb15 und velak tätig. \nMichaela Grill studierte in Wien\, Glasgow und London (Goldsmith College). Diverse Film- und Videoarbeiten\, Installationen und Live-Visuals seit 1999. Performances und Screenings auf 5 Kontinenten\, u.a. im MOMA NY\, National Gallery of Art Washington\, Centre Pompidou Paris\, Museo Reina Sofia Madrid\, La Casa Encendida Barcelona\, ICA London und vielen Kinematheken. Ihre Videos wurden auf über 200 Festivals weltweit gezeigt. Erhielt 2010 den Outstanding Artist Award des österreichischen Ministeriums für Kunst und Kultur. \nChristof Kurzmann ist ein österreichischer Musiker und Elektronikkünstler\, der in den 90er Jahren mit dem Duo Extended Versions bekannt wurde. Er gründete das Orchester 33 1/3 und das Label Charhizma. Kurzmann hat mit verschiedenen Künstlern aus den Bereichen Jazz\, Rock und Elektronik zusammengearbeitet und tritt in Gruppen wie The Magic I.D. und El Infierno Musical auf. Sein Interesse liegt in der elektronischen Improvisation. \nMark Molnar\, ein in Ottawa ansässiger Instrumentalist\, spielt Streichinstrumente und Elektronik. 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Ihr künstlerischer Schwerpunkt liegt auf frei improvisierter und experimenteller Musik\, wobei sie akustische Flöte mit Elektronik\, Effektgeräten und erweiterten Spieltechniken kombiniert. In ihren Arbeiten erforscht sie fragile Klangzustände\, Mehrklänge\, Mikrotonalität und die physische Präsenz von Atem und Resonanz. Neben ihrer internationalen Konzerttätigkeit ist Zlanabitnig kulturpolitisch engagiert. Sie ist Mitbegründerin der Plattform Fraufeld* zur Vernetzung von Musikerinnen in der improvisierten Musik\, Mit-Organisatorin des kollektiv kuratierten Festivals Jahresendzeitschokoladenhohlkörper sowie Teil des Leitungsteams des Wiener echoraum. Ihre Arbeit bewegt sich an der Schnittstelle von Improvisation\, Klangforschung und kollektiver Praxis
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SUMMARY:Der Blöde Dritte Mittwoch #157
DESCRIPTION:Sylvia Bruckner (Konzert) · Oleg Soulimenko & Franz Hautzinger (Performance) · Jonah Parzen-Johnson & Lau Nau (Konzert)
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SUMMARY:Finissage: CD die Treppe hinabsteigend
DESCRIPTION:Yii \nLaura Zöschg: Stimme\nLuka Zabric: Altsaxophon \nYii consists of two individuals that meet each other in a world of strange\, surreal dreams\, where narratives take unexpected turns and somehow familiar faces remain unknown. Wandering through these outlandish realms\, they find their bearings with nothing but each other to relate to\, while their set course remains anything but set; it becomes a winding journey through spheres of acoustic phenomena of voice and saxophone\, a path of uncertain outcomes bound by their mutuality and curiosity. Their debut album “The trails of levitating creatures” was released on November 27th\, 2025\, on the CRRNT Collective label. In April 2026\, the duo will play its album release tour with concerts at venues including in “Galerija Škuc” in Ljubljana (SI)\, in “Kulturkotter” in Graz (AT)\, and in “Echoraum” in Vienna (AT). \nhttps://www.laurazoeschg.com/yii\nhttps://yiimusic.bandcamp.com/album/the-trails-of-levitating-creatures \nLaura Zöschg is a musician and composer working in the field of improvised and experimental music. Her means of expression are the different colors and sounds of her voice\, and for certain projects she also experiments on the piano\, organ\, and flute. She received singing\, piano\, and flute lessons from an early age before beginning her jazz vocal studies at the University of Music and Performing Arts (KUG) in Graz in 2016. Thereafter she moved to Aarhus\, Denmark\, for her master’s degree\, which she completed in 2022. Since then\, Laura has been performing concerts throughout Europe with various bands and projects\, such as Yii\, Blaume\, mimicri\, Undercurrent\, and her solo project LOA. Her most recent releases include Yii’s “The trails of levitating creatures”\, Blaume’s debut EP “excess air”\, an improvised solo EP on the church organ entitled “sem”\, and a feature on the album “I Can Feel My Dreams” by multi-instrumentalist and composer Damian Dalla Torre (IT/DE). Raised in Schabs in South Tyrol\, Laura has been living and working in Copenhagen\, Denmark\, since 2022. \nLuka Zabric\, born in 1997 in Ljubljana (SI)\, is a saxophonist\, improviser and composer\, since 2020 based in Copenhagen (DK). He made initial contact with improvisation in music at the Edgar Willems Music Centre (GCEW\, institute)\, where he first completed elementary education of the recorder flute and music theory (solfeggio) and was introduced to jazz when picking up the alto saxophone aged 12 there. His subsequent musical education led him through the jazz institute of the University of Music and Performing Arts Graz (KUG) [2016-20]\, and the Rhythmic Music Conservatory (RMC) in Copenhagen [2020-22]\, during which he became increasingly drawn to liminal sonorities and the wide spectrum of acoustic phenomena of his instrument. Encounters and collaborations with peers\, faculty and other inspiring artists within and outside the institutional frameworks have paved the trajectory of his sound explorations through extended techniques\, instrument preparations and multi-mic’ing setups. His discography as a bandleader includes the releases Cradled Cravings (The Gatherers\, September 1st 2023\, CRRNT)\, Nebožder (solo EP\, December 1st 2023\, CRRNT)\, Live in Osijek (The Gatherers\, December 20th 2024\, Soundbrick Studio)\, Unspoken Remains (Mass of Debris\, July 12th 2025\, CRRNT)\, and Trails of Levitating Creatures in collaboration with the vocalist Laura Zöschg (Yii\, November 27th 2025\, CRRNT). \nTomaš Grom solo: Kontrabass\, Elektronik\, Dada\, Video \nTomaž Grom (Ljubljana\, 1972) is a double bassist\, composer\, and sound researcher. He understands music primarily as a medium of communication\, not as an aesthetic pleasure. For him\, music is a process of searching: a series of unresolved questions\, a flow of ideas\, and an engagement with uncertain situations. Composition\, in his practice\, happens through improvisation. Improvisation opens a space for mistakes\, for getting lost and finding one’s way again—for deviation that leads to unexpected and intriguing solutions. Difficulties are not obstacles but triggers for reflection and for opening new paths. He is the founder and artistic director of the institute Sploh (Sound / Performing / Listening / Observing / Hearing)\, which operates in the fields of music and performing arts production\, education\, and publishing. He has performed at numerous festivals across Europe and North America and has composed original music for theatre\, dance\, puppet productions\, and films. Based on his concept\, the feature-length documentary Balkan Whispers (dir. Boris Petkovič) was created. He is also the author of video portraits of female artists for the online platform Centralala.si\, as well as the films I Can’t Wait for You to Come (2022) and Don’t Think It Will Ever Pass (2023). \nhttps://www.sploh.si/en/about-sploh/artists/tomaz-gro \nFinissage: CD die Treppe hinabsteigend \nStefan Hurtig\, Christoph Roßner\, Hadin Schorn\, Robert Vanis \nDie Compact Disc ist ein historisches technisches Medium. Wir sind mit den runden Scheiben in den 80ern groß geworden. In jedem Wohn- und Jugendzimmer gab es einen CD-Turm. Waren sie damals der Inbegriff des Neuen und Zeitgemäßen\, ist es erstaunlich\, wie überholt und gestrig sie uns heute erscheinen. Die Silberscheibe materialisiert den Moment des Übergangs von analoger zu digitaler Welt. Digitale Daten wurden durch sie erstmals mit einem physischen Gegenstand verbunden. Die CD ist ein Symbol für den Beginn der Digitalisierung. Im Angesicht der Musik-Streamingdienste hat sie ihre Funktion und Bedeutung verloren. Zeit für eine Hommage an die Compact Disc! \nStefan Hurtig (*1981 in Zwickau) studierte Medienkunst in Leipzig und Krakau und schloss 2011 als Meisterschüler von Alba D‘Urbano ab. 2018 erhielt er den Preis der Leipziger Jahresausstellung. 2019 zeigte das Museum der bildenden Künste Leipzig die dazugehörige Preisträgerausstellung. 2022 präsentierte das HALLE 14 – Zentrum für zeitgenössische Kunst Leipzig eine größere Rückschau seiner Kunst. Er lebt und arbeitet in Leipzig. www.stefanhurtig.de \nChristoph Roßner (*1982) studierte Freie Kunst und Malerei in Weimar und Dresden und war Meisterschüler von Ralf Kerbach. Seine Arbeiten sind in der Sammlung für zeitgenössische Kunst der Bundesrepublik Deutschland und im Kunstfonds Sachsen vertreten. Seit 10 Jahren arbeitet er mit der Romer Young Gallery in San Francisco und der dst.galerie in Münster zusammen. Er lebt und arbeitet in Leipzig. www.christophrossner.de \nHadin Schorn wurde in Düsseldorf geboren. Nach Reisen durch Zentralasien und den nahen Osten studierte sie Malerei\, Grafik und Buchkunst an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. Im Anschluss an ihr Diplom setzte sie ihre Studien als Meisterschülerin fort. Seither lebt und arbeitet Hadin Schorn als freischaffende Künstlerin in Leipzig. Seit 2019 setzt sie sich intensiv mit Hinterglasmalerei auseinander und entwickelt neue Techniken und Ausdrucksformen mit Glas als Trägermaterial. www.instagram.com/hadinschorn \nRobert Vanis (*1982) wurde im Erzgebirge geboren und studierte Bildende Kunst in Dresden und Leeds. Sein Meisterschülerstudium bei Lutz Dammbeck schloss er 2014 ab. Von 2016 bis 2025 leitete er das Fotolabor an der Hochschule für Bildende Künste Dresden. Seit 2025 unterrichtet er Fotografie an der Akademie der bildenden Künste Wien. Seine Arbeiten werden international ausgestellt und sind in mehreren privaten und öffentlichen Sammlungen vertreten. Er lebt in Wien. www.robertvanis.de
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SUMMARY:pianobar reloaded
DESCRIPTION:Eli Wallace solo: präpariertes Klavier \nPianist/improviser/composer/sound artist Eli Wallace approaches every facet of his musical endeavors (whether playing solo piano\, interpreting compositions\, or improvising/creating with others) with a singular intensity and attention to detail. For this solo piano concert\, Wallace will play an extended\, uninterrupted improvisation. When playing alone\, he marries his instinct for visceral extemporization with his interest in calculated musical premeditation\, planning in real-time\, and using spur-of-the-moment ideas to sculpt the musical morphology as the concert progresses. His musical toolbox on the piano ranges from traditional piano playing to extended techniques\, where he plays inside the instrument\, including on the strings\, pins\, and frame. In preparation for this performance\, he will prepare the entire instrument using wood\, metal\, and plastic objects in such a way that leaves doors open to an enormous array of possibilities; the preparations will be set\, but the shape of the improvisation will be undetermined. Each piano is distinct\, and each concert unlocks new avenues for exploration both in the preparation process and the performance. The end result elevates the instrument to new heights\, transcending its conventional limitations and bringing us into the multitudinous environment of abnormal and iconoclastic sounds emerging from the piano. \n„This is state of the art pianism\, with the keyboard and inside piano work fully integrated.“ – Stewart Smith (The Wire) \nEli Wallace is a pianist\, improviser\, composer\, and curator who resides in Brooklyn\, NY. He works as a solo artist but also collaborates with musicians in improvised and creative music communities such as Nate Wooley\, Cecilia Lopez\, Nick Neuburg\, Kyle Motl\, Michael Foster\, Jessica Ackerley\, Sam Newsome\, Sandy Ewen\, Carlo Costa\, Lisa Cameron\, Joe Moffett\, Pablo Vazquez\, Camilo Ángeles\, Amanda Irarrázabal\, and so many others. After releasing his first studio solo piano album\, pieces & interludes\, he embarked on a rigorous worldwide tour\, including South America\, the United States\, and Europe. He continues to release new material and tour worldwide as a soloist and in collaborative groups. Recent projects include duo releases with Alex Cunningham and Camilo Ángeles\, as well as a trio with Marcelo von Schultz and Pablo Vazquez\, and another with Joe Moffett and Michael Foster\, all to critical acclaim. His work as a pianist showcases his diverse range of experiences\, encompassing classical\, jazz\, and free improvisation studies\, while incorporating contemporary piano performance practices and preparations. The result is a singular voice that Bruce Gallanter (Downtown Music Gallery) asserts “has steadily grown into one of the most adventurous pianists on the scene…His prepared piano work is in a class of its own.” His compositions employ notational strategies to broaden the manner in which sounds are created and the ways in which musicians interact using traditional notation\, textual instruction\, and visuals/graphics. He has written pieces ranging from solo piano to full studio orchestra\, receiving numerous commissions. Over the past decade\, he has appeared on dozens of albums and performed at venues such as Roulette in Brooklyn\, NY\, Experimental Sound Studio in Chicago\, IL\, Bemis Center in Omaha\, NE\, and Cave 12 in Geneva\, Switzerland. \nSylvia Kimiko Krutz solo: Klavier/Elektronik \nPiano sound +: A symbiosis of piano\, electronics\, time and space \nGetrieben von der Faszination für die klangliche Symbiose des akustischen Instrumentalklangs mit elektronisch erzeugten Klängen sowie den Geräuschen aus der Natur und Umgebung hat die Pianistin Sylvia Kimiko Krutz ein Programm mit Werken für Klavier und Live-Elektronik zusammengestellt. Mit dem Ziel\, eine neue Klangwelt aus dem Korpus des Klaviers heraus zu kreieren\, entstand Piano sound + – eine facettenreiche Sammlung zeitgenössischer Werke\, die sowohl die Vielfalt pianistischer Ausdrucks- und Spielweisen beleuchtet als auch in atmosphärische und philosophische Klangräume driftet. \nNeben Werken wie incidendo/fluido von Olga Neuwirth\, Para una tumba sin nombre von Juan López Cuamatzi und Serendipity von Nava Hemyari präsentiert das Programm auch neu komponierte Werke junger\, international tätiger Komponisten. Dazu gehört der Wiener Klang- und Medienkünstler Tobias Leibetseder\, der nuancenreiche kroatische Komponist Marko Markuš\, der innovative japanische Komponist Masao Ono\, der genreübergreifend und technisch raffiniert arbeitende österreichische Komponist Dominik Leiter sowie die Pianistin Sylvia Kimiko Krutz selbst.\nProgramm: \nOlga Neuwirth: incidendo/fluido (2000)\nJuan López Cuamatzi: Para una tumba sin nombre (2024)\nTobias Leibetseder: Neues Werk (UA)\nMarko Markuš: Neues Werk (UA)\nSylvia Kimiko Krutz: Neues Werk (UA)\nNava Hemyari: Serendipity (2023)\nMasao Ono: Neues Werk (UA)\nDominik Leitner: Neues Werk (UA) \nSylvia Kimiko Krutz ist Konzertfach-Klavier Absolventin der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien\, wo sie auch ein zusätzliches Masterstudium für Neue Musik mit Auszeichnung abschloss. Im Alter von fünf Jahren erhielt sie ihren ersten Klavierunterricht und wurde 2009 als Jungstudentin an der Lübecker Musikhochschule aufgenommen. Anschließend studierte sie u.a. bei Mathilde Hoursiangou\, Jean-Bernard Matter\, Alexander Rößler und Roman Zaslavsky an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien und bei Kenji Watanabe an der Tokyo University of Arts. Bereit im jungen Alter gewann sie den Orchesterpreis der Hamburger Symphoniker. Daraufhin gewann sie den 1.Preis und den Schubert-Sonderpreis im Internationalen Franz Schubert Wettbewerb in Ruse und ist Trägerin des Würdigungspreises von der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien. 2024 wurde sie mit dem 1. Preis des Sounding Visions Awards der Internationalen Gesellschaft für Neue Musik für ausgezeichnet. Sylvia Kimiko Krutz sowohl Pianistin\, als auch Teil des Leitungsteams von LIZARD – Linzer Ensemble für aktuelle Musik und festes Mitglied im Ensemble XXI. Jahrhundert. Sie war u.a. als Solistin mit den Mödlinger Symphonie Orchester zu hören und trat bei Festivals\, wie Wien Modern\, ORF-musikprotokoll\, Impuls Festival Graz\, Festival 4020 und Leicht über Linz auf. Zur Zeit ist sie als Lehrperson im Institut für Neue Musik an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien tätig und ist NASOM Artistin 2025/26. \nhttps://www.kimikokrutz.com/ \nKasho Chualan & Lukas König \nVienna-based musicians Lukas König and Kasho Chualan join forces in a collaboration to create music that thrives on tension and contrast — moments of fragile intimacy ruptured by sudden\, kinetic surges. \nKasho Chualan: prepared piano\, electronics\nLukas König: drums\, amplified cymbal \nKasho Chualan is a Kurdish-Canadian pianist\, composer\, and multidisciplinary artist based in Vienna. Her work explores the emotional and physical textures of sound\, often through unconventional approaches to the piano—using extended techniques\, preparations\, electronics\, tape\, toys\, and everyday objects. She challenges traditional ideas of how instruments should be played or perceived. Blending experimental improvisation\, storytelling\, and raw tactility\, Kasho creates performances that are personal\, unpredictable\, and boundary-pushing. \nhttps://www.instagram.com/kasho.chualan \nLukas König lives and works as a percussionist\, composer and producer in Vienna. He works with the following artists: Moor Mother\, Luke Stewart\, Aquiles Navaro\, Farida Amadou\, Dälek\, Guilty Simpson\, Sensational\, Evicshen\, Mariam Rezaei\, Gabriele Mitteli\, Mette Rasmussen\, Julien Desprez\, Audrey Chen\, Peter Kutin\, Elvin Brandhi\, Malcolm Braff\, Petter Eldh\, Shahzad Ismaily\, Briggan Krauss\, Tony Scherr\, Cansu Tanrikulu\, Nick Dunston\, Vincent Pongracz\, Joanna Mattrey\, Kenji Herbert\, Vini Cajado\, Leo Riegler\, Manu Mayr\, Bilderbuch\, Klangforum Wien\, Studio Dan and many more. and many more. His solo releases “KŒNIG”\, “Best of 28”\, “Messing”\, “Buffering Synapsis”\, “1 Above Minus Underground” “For Anton” span a wide range from hiphop to noise and experimental music. \nwww.lukaskoenig.com
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SUMMARY:pianobar reloaded
DESCRIPTION:Lisa Ullén: Klavier \nAFTER SUN 2.0 \n“My music reflects a musical practice spanning three decades. I make music that does not really belong to any known genre\, but shifts between\, through and outside various idioms — jazz\, new music\, and more — until a distinct genre nevertheless emerges. This is music that stems from an experience of not really belonging to anything\, of being in between identities and traditions; music that makes use of melodic and rhythmical fragments but refuses to settle within expressions that already exist\, and instead lets the music have several layers where different textures and rhythms pass\nthrough each other.” \n“one of the most honest and realistic musical depictions of human identity ever created.”\nGarreth Brooke\, A Closer Listen \nA native of Seoul\, Korea\, Lisa Ullén grew up in the northern part of Sweden\, and is based in Stockholm. She is a graduate of the Royal Musical Academy in Stockholm\, Sweden\, where she studied classical piano in the late 1980s and early 1990s. Since the late 1990s\, she has devoted herself entirely to improvised music\, in the form of free jazz as well as avant garde and contemporary classical and experimental music. A versatile player with a singular musical vision\, Ullén has repeatedly proven her ability to imprint her absolute sense for tonal texture on whatever musical context she appears in.\nInternationally recognized as a distinctive and uncompromising musician and composer\, Ullén over the last decade has produced more than fifteen albums. Ullén has collaborated extensively with many well-known Swedish artists and dancers\, and has also scored several dramatic productions. She’s also performed and recorded music by contemporary composers. In 2018 she released the triple album Piano Works and Ep Sekvenser och Lager on her own label Disorder. In Oktober 2018 Lisa Ullén was awarded the Jazzcomposer of the Year-prize by the Swedish Radio. \nViktoras Orestas Vagusevičius: präpariertes Klavier \nAnthologie des Präparierten Klaviers:
 John Cage – Sonaten und Interludien \nMit diesem Konzertprogramm begibt sich der Pianist Viktoras Orestas Vagusevičius auf eine klangliche Entdeckungsreise in die Welt des präparierten Klaviers. Im Zentrum steht John Cages Zyklus Sonaten und Interludien für präpariertes Klavier (1946–48)\, ein Schlüsselwerk der musikalischen Moderne. Durch die gezielte Platzierung von Objekten zwischen den Saiten verwandelt sich das Klavier in ein vielschichtiges Schlaginstrument und eröffnet ein neuartiges Spektrum an Klangfarben und Resonanzen. Cage hinterfragte damit radikal die traditionellen Vorstellungen von Klang\, Harmonie und Instrumentalität und schuf ein Werk\, das bis heute nichts von seiner Aktualität verloren hat. Neben der musikalischen Interpretation vermittelt der Künstler Einblicke in die historische Entstehung\, die Technik der Präparation sowie seine persönliche künstlerische Beziehung zu diesem Werk. Ziel ist es\, eine intensive Hörerfahrung zu schaffen\, in der sich die Grenzen zwischen Interpret und Publikum auflösen und gemeinsames musikalisches Erforschen möglich wird. \nViktoras Orestas Vagusevičius is a versatile and innovative pianist\, recognized for his creative approach and stylistic breadth. He completed his Bachelor’s degree at the Lithuanian Academy of Music and Theatre under Prof. Petras Geniušas and earned his Master’s degree in Piano and Contemporary Music at the University of Music and Performing Arts Vienna\, studying with Prof. Avedis Kouyoumdjian and Prof. Mathilde Hoursiangou. Viktoras is particularly known for his compelling performances that fuse contemporary repertoire with improvisation and conceptual programming. He is an active performer of contemporary music in both solo and ensemble settings and frequently collaborates on multidisciplinary projects. In addition to his concert work\, he is also a sought-after accompanist for silent cinema. Following a successful debut at the Pordenone Silent Film Festival and participation in specialized masterclasses\, he has become a regular figure in silent film performance and festival organization. While his artistic focus centers on contemporary and classical music\, Viktoras maintains a broad international presence. He has performed across Europe and on other continents\, appearing in major venues such as the Kaunas State Philharmonic\, Belgrade Philharmonic Hall\, Teatro Civico\, and Wiener Konzerthaus. As a soloist and chamber musician\, he collaborates with various ensembles and chamber orchestras. \nwww.vagusevicius.com \nWallumrød/Gismervik \nChristian Wallumrød: Klavier\, Synthesizer\nJan Martin Gismervik: Schlagzeug\, Elektronik \nChristian Wallumrød and Jan Martin Gismervik have collaborated in various constellations since 2023. As a duo\, they take a reductionist approach\, working to assemble different blocks of timbre\, rhythmic fragments\, and textures\, allowing chance to play an active role while maintaining a strong sense of direction in the music’s overall form. \nChristian Wallumrød has worked as a musician and composer since 1992\, and he is considered one of the most prominent and influential musicians of his generation in Norway. Following his debut on ECM Records (“No Birch”\, issued in 1996)\, he has released a string of albums with Christian Wallumrød Ensemble\, all to considerable critical acclaim. The record ’Outstairs’ was rewarded with the Norwegian Grammy (Spellemannsprisen 2013). While being the composer and leader of his own ensemble\, Wallumrød also focusses strongly on improvisation with another longstanding collaboration\, the French/Norwegian group Dans Les Arbres\, also with two releases on ECM. These groups have represented the main body of his work over the last 20 years\, and both are touring extensively. \nJan Martin Gismervik is a drummer and composer based in Oslo. He is educated at the Norwegian Academy of Music and works within experimental music. As a performer\, he approaches the instrument in a reductionist manner\, though the music he plays is not necessarily reductionist in character. Gismervik has developed a repertoire and a sonic palette within a relatively low dynamic range\, allowing the drum set to open up in a distinct way. Over time\, his setup has expanded to include melodic percussion as well as harmonium\, viola\, and synthesizers. His artistic expression revolves around combining different timbres\, attacks\, and gestures in a way that remains rhythmically grounded. This approach also forms the basis of his compositional practice\, which has become a significant part of his work.
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SUMMARY:Alony/ Zeiner · kit cut
DESCRIPTION:Alony / Zeiner \nEfrat Alony – Stimme\, Elektronik\nVerena Zeiner – Klavier \nEfrat Alony und Verena Zeiner bilden ein außergewöhnliches Duo\, das diverse musikalische Stile und Traditionen meisterhaft in eine nahtlose und fesselnde Darbietung verschmelzen lässt.
Jede Einzelne bringt unverwechselbare Farben in das Ensemble ein: Efrat Alonys Stimme\, voll und nuanciert\, verwebt lyrische Erzählungen mit klanglicher Vielseitigkeit Verena Zeiners am Klavier\, ausdrucksstark und dynamisch bewegt\, bildet ein Fundament aus dem sich Unerwartetes entwickeln kann. Gemeinsam erschaffen sie ein klangliches Gewebe\, das sowohl spontan als auch anspruchsvoll ist.
Mit diesem Duo feiern die Musikerinnen ihre Leidenschaft für improvisierte Musik und laden das Publikum bei jeder Aufführung zu einer einzigartigen unwiederholbaren Reise ein. \n\n \nDie Wahlberlinerin aus Haifa stammende Sängerin und Komponistin Efrat Alony gehört „schon längst zu eine der wichtigsten Stimmen des europäischen Jazz“ ( /Ulf Drechsel\, Radio Berlin Brandenburg). Alony steht mit ihrem künstlerischen Profil für eigenwillige\, eigenständige und hochqualitative Musik. Ihr letztes Album „Hollywood Isn’t Calling“ ist vom Deutschen Jazzpreis 2022 als bestes Vokalalbum des Jahres ausgezeichnet worden und der Titel „My Shorthand Modes of Perception“ als beste Komposition nominiert. Ihr neues Album „Händel-Fast Forward “\, veröffentlicht bei dem renommierten New Yorker Label Dot Time Records\, ist mit dem „Opus Klassik Award“ 2024 in der Kategorie „Klassik Ohne Grenzen“ ausgezeichnet worden. Laut der Jury ist dieses Album „ein Beweis für Alony’s einzigartige Vision und Kreativität“. \nAlony studierte Gesang und Komposition an renommierten Internationalen Musikhochschulen (Rimon School of Jazz and Contemporary Music\, Israel; Berklee College of Music\, Boston und and der Hochschule für Musik Hanns Eisler\, Berlin). Mit „Alony“ wurde Efrat mit ihrer außerordentlichen Stimme gefeiert und vielfach preisgekrönt (u.a. Karl Hofer Prize\, Internationaler Jazz Preis der Nürnberger Nachrichten\, Preise des Berliner Senats\, den Gema Autorenpreis im Bereich Jazz Komposition oder die Nominierung für den BMW international Jazz Award). Im Sommer 2019 erhielt Alony in Los Angeles den „Winner of Best Foreign Artist“- Award im Rahmen des „Artemis Film Festival 2019“ im Bereich Komposition.\nAls Solistin und Komponistin arbeitet sie unter anderem mit dem Star-Pianist Igor Levit. mit der „Hessischen Rundfunk Bigband“ (Frankfurt)\, dem „Zürich Jazz Orchestra“\, dem „Jazz Orchestra Concertgebouw“ (Amsterdam)\, dem „Ed Partyka Jazz Orchestra“\, dem „Helsinki UMO Jazz Orchestra“ (Finnland)\, dem „Christoph Cech Jazz Orchestra“ (Wien) sowie dem „Swiss Jazz Orchestra“ und „Martin Streule Jazz Orchestra „(Bern) von 2009 bis 2023 war Alony Dozentin für Jazzgesang an der HKB\, Bern\, Schweiz. Seit Okt. 2023 ist Alony Prof.in für Jazz Gesang an der Bruckner Universität\, Linz. \nhttps://alony.de\nhttps://www.youtube.com/@efratalony\nhttps://www.instagram.com/efrat_alony/ \nVerena Zeiner ist Pianistin\, Improvisatorin und Komponistin. Sie ist in Ensembles aus den Bereichen Jazz und improvisierte Musik tätig\, ist Bandleaderin\, komponiert für eigene Besetzungen\, Kammermusik\, für Orchester und für transdisziplinäre Projekte. Sie hat mehrere Alben veröffentlicht und Auszeichnungen für ihre Arbeit als Pianistin und Komponistin erhalten. Das Herzstück ihrer künstlerischen Arbeit ist die Erforschung der Möglichkeiten von Improvisation. Ihr Zugang zu Musik ist stark in Bewegung\, Körperarbeit und Tanz verwurzelt.\nVerena Zeiner hat ihre Studien (Musik- und Bewegungspädagogik/Rhythmik; IGP Tasteninstrumente Popularmusik/ Jazzklavier) an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien und am Königlichen Konservatorium in Brüssel absolviert. Sie ist Mitgründerin der Plattform Fraufeld\, die sich dem Sichtbarmachen von Künstler*innen in der improvisierten Musik widmet\, Senior Lecturer für Improvisation an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien und Lecturer für das Free Jazz Ensemble sowie Jazz Komposition an der Musik und Kunst Privatuniversität der Stadt Wien. \nhttps://www.verenazeiner.at\nhttps://www.instagram.com/verenazeiner\nhttps://www.youtube.com/channel/UCAfpmiCgbkDe9fVluVyBb4A \nkit cut \nThomas Liesinger – Trompete & Elektronik\nBernhard Hadriga – Gitarre & Elektronik\nLan Sticker – Schlagzeug \nkit cut vereint die Instrumentalisten Bernhard Hadriga\, Thomas Liesinger und Lan Sticker zu einem kollektiven Klangkörper. Im Spannungsfeld von szenischer Improvisation und freier Komposition agiert das Ensemble als lebendiges Metainstrument\, in dem individuelle Stimmen zu einer kollektiven Form verschmelzen. Ihre Kompositionen entstehen frei und in Echtzeit. 2024 entstand radio edit\, ein Minialbum\, das als Vorbote und Dokument der Klangidentität des Trios dient. 2023 sah unter Anderem die Kollaboration mit der Filmemacherin Verena Repar. Der so entstandene Kurzfilm Echoes of Grief gewann mitunter die Haupt- und Publikumspreise beim Best Austrian Animation Festival 2023 und wurde beim Österreichischen Filmpreis 2023 in der Sparte Bester Kurzfilm nominiert. \nBernhard Anton Josef Hadriga (*1994) ist ein österreichischer Gitarrist und Improvisator mit Wurzeln im Weinviertel.Er absolvierte Studien in Jazz und Popularmusik (BA)\, wie Jazz und Improvisierter Musik (MA)\, jeweils mit Auszeichnung in Wien und Linz bei Martin Koller und Robert Pockfuß. Als freischaffender Künstler mit Lebensmittelpunkt in Wien geht Bernhard Hadriga verstärkt des Vokabularaufbaus im Kontext von Abstraktion der Gitarre und erweiterten Spieltechniken nach und arbeitet interdisziplinär als Musiker\, live und bei Tonträgeraufnahmen\, als auch als Produzent und Redakteur im Video- und Kurzfilmbereich \nLan Sticker (*1995\, Kärnten/Koroška) ist Schlagzeuger und Komponist. Aufgewachsen im\nzweisprachigen Kärnten/Koroška begann er früh mit dem Schlagzeugspiel und studierte Jazz-\nSchlagzeug bei Jeff Boudreaux und Herbert Pirker an der Anton Bruckner Privatuniversität\nLinz\, wo er sein Studium mit Auszeichnung abschloss. 2022 erhielt er ein Künstlerstipendium des\nLandes Kärnten. Lan Sticker arbeitet an der Schnittstelle von Jazz\, Improvisation\, zeitgenössischer Musik und Theater und ist in zahlreichen Bands und interdisziplinären Projekten aktiv. Ein besonderer Höhepunkt seiner jüngeren Arbeit war die Eröffnung der Wiener Festwochen 2025\, kuratiert von Milo Rau\, bei der er mit der Band Caravan of Luv gemeinsam mit u. a. Faber\, Nino aus Wien\, Khalid Rawi\, Soap&Skin\, Serge Kakudji\, dem Mozart Knabenchor Wien und einer Trachtenkapelle auftrat. Im selben Jahr war er als Live-Schlagzeuger und Komponist an den Theaterproduktionen „Tiefe Gewässer“ (Ars ex Machina\, Kärnten) und „Verschwinden in Lawinen“ am Tiroler Landestheater Innsbruck beteiligt. \nThomas Liesinger (*1987\, Bregenz) lebt und arbeitet als Live- und Studiomusiker im akustischen und elektronischen Kontext in Wien. Er studierte Trompete an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien. Im Mittelpunkt seiner künstlerischen Arbeit stehen freie Improvisation\, die Erarbeitung zeitgenössischer Spieltechniken und die elektronische Prozessierung des Trompetenklangs. Besonderen Fokus legt er auf transdisziplinäre Projekte und Kompositionsarbeiten für Ensembles\, Film und Tanz. \nhttps://kitcut.klingt.org/\nhttps://kitcut.bandcamp.com/album/radio-edit
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SUMMARY:Tetrao Tetrix · REVOLE
DESCRIPTION:Tetrao Tetrix \nGaudenz Badrutt: Elektronik\nFrantz Loriot: Viola\nJean-Luc Guionnet: Altsaxophon \nTetrao Tetrix kreiert ausgedehnte Klangskulpturen – dafür sind die unterschiedlichen Ansätze des Zürcher Bratschisten Frantz Loriot\, des Bieler Elektronikmusikers Gaudenz Badrutt und des französischen Altsaxophonisten\, Elektronikers und Organisten Jean-Luc Guionnet wie gemacht füreinander. Gegründet wurde das Trio 2018. Anfang 2025 erschien der Tonträger Nyctalopia. Im Französischen bezeichnet das Wort „nyctalope” die Fähigkeit\, nachts zu sehen; im Englischen hingegen bezeichnet das Wort „nyctalop” die Unfähigkeit\, nachts zu sehen. Perfekte falsche Freunde also. Das macht unsere Musik aus. Kann man wissen\, ohne zu wissen\, dass man weiß? Im Trio Tetrao Tetrix geht es aber auch um Affinität in einem Dreieck\, bestehend aus zwei verschiedenartigen Altstimmen – die eine von Saiten\, Holz und Pferdehaaren geprägt\, die andere von Metall\, Schilf\, Leder und Kunststoff. Und einer dritten Stimme – die letzte Ecke des Dreiecks\, hauptsächlich Elektronen und Membranen. Und es geht um Unendlichkeit\, aber wir sind zu dritt. Wahlverwandtschaften\, falsche Freunde & elektrische Affinitäten. Extreme. Spannung. Absicht\, ohne Zeichnung. Alles durchsetzt von wahrscheinlichen Stillen. Wahrscheinlich\, zumindest. Es gibt auch Lärm. Es ist eine dreiecksförmige Klangskulptur. https://bruit-asso.org/tetrao-tetrix/ \nGaudenz Badrutt (Elektronik & Computer) arbeitet seit 25 Jahren als elektroakustischer Musiker im Bereich der improvisierten und experimentellen Musik. Die Musik von Gaudenz Badrutt zeichnet sich durch einen sehr instrumentalen Einsatz von Computer-/Live-Sampling und elektronischen Geräten aus. Er arbeitet auch in den Bereichen elektronische Komposition sowie Klanginstallation. Gaudenz Badrutt aktuelle Projekte sind Tetrao Tetrix\, das Duo mit ErikM\, das Duo mit Ilia Belorukov\, das Trio mit demselben und Jonas Kocher\, das Baldrian Quartett\, das Quartett TEPIH\, und Solo-Performances. Zusammenarbeiten mit Francesca Naibo\, Alfred Zimmerlin\, Jaques Demierre\, Andrea Neumann\, Antoine Läng\, Richard Barrett usw. Mitglied des Šalter Ensembles und Bruit – Group for Music Creation. 
http://www.gaudenzbadrutt.ch/ \nDer französisch-japanische Bratschist Frantz Loriot tritt als Solist auf und ist in mehreren internationalen Ensembles aktiv\, wobei er hauptsächlich durch Praktiken der improvisierten Musik arbeitet. Er trägt regelmäßig zu interdisziplinären Projekten bei\, die mit Tanz\, Theater\, Bild\, Poesie und Raum zu tun haben. Im Laufe der Jahre hat Loriot eine einzigartige und radikal persönliche Musiksprache entwickelt. Er bricht mit der Tradition und versucht ständig\, sich selbst und seine Musik zu immer weiteren Horizonten zu treiben. Seine ständige Weiterentwicklung bringt ihn dazu\, über die Beziehung zwischen seiner eigenen Praxis und philosophischen und politischen Theorien nachzudenken. 
https://www.frantzloriot.com \nJean-Luc Guionnet wurde 1966 in Lyon geboren. Er ist ein französischer Altsaxophonist und Organist der improvisierten Musik und des Free Jazz sowie ein visueller Künstler\, Performer und Komponist elektroakustischer Musik. Jean-Luc Guionnet studierte Bildende Kunst und elektroakustische Musik bei Christine Groult\, Michel Zbar und Iannis Xenakis. Als Multiinstrumentalist (Alt- und Sopransaxophon\, Orgel\, Klavier) improvisierte und experimentierte er im Bereich der elektroakustischen Musik mit Eric La Casa\, Eric Cordier\, Pascal Battus\, Edward Perraud\, Frédéric Blondy\, Sophie Agnel\, André Almuro\, Olivier Benoit und den Gruppen Schams\, Synapses\, Calx\, Phéromones und Hubbub. Von einem sehr physischen Ansatz des Spielens und Atmens zu einer Arbeit an der Verräumlichung des Klangs durch komplexe Klanggeräte. 
https://www.jeanlucguionnet.eu/ \nREVOLVE \nMartin Brandlmayr: Schlagzeug\, Elektronik\, Komposition\nIngrid Schmoliner: präpariertes Klavier\, Komposition \nIngrid Schmoliner und Martin Brandlmayr bekannt aus Projekten wie drank\, Radian\, Polwechsel\, Trapist\, Nabelóse\, Griff\, MNEEM\, I AM ANIMAL\,TOWERING SILENCE planen schon seit geraumer Zeit ein gemeinsames Duoprojekt. REVOLVE deutet auf spiralförmige Klangschichtungen hin. In netzwerkwerkartig verwobenen Strukturen bewegt sich die Musik dieses Duos zwischen instrumentaler Körperlichkeit und der Immaterialität elektronischer Klangprojektion. Klavier und Schlagwerk dienen als Ausgangspunkte einer klangforschenden Erkundung\, in der verborgene Klangräume freigelegt und ausgeleuchtet werden bzw. kontextualisiert werden. Der so entstehende Sound entfaltet sich in einem repetitiven Feld\, in dem Wiederholung nicht Stillstand bedeutet\, sondern Verdichtung und Präzisierung des Hörens. Kompositorisch detailliert ausformulierte Anteile und improvisierte Passagen greifen ineinander\, loopartige Strukturen mal gedehnt und schwer fassbar\, mal verdichtet und klar nachvollziehbar. Wie unter einem Mikroskop werden auch auf der Klangebene Details sichtbar\, dann wieder unscharf wie der Blick auf Steine im Wasser\, einmal klar umrissen\, dann wieder diffus und verschwommen. Sowohl auf ihren Instrumenten als auch in ihren Kompositionsansätzen haben Ingrid Schmoliner und Martin Brandlmayr eine höchst charakteristische Klangsprache und individuelle Spielstrategie entwickelt. Die Arbeitsweise einer kollektiven Komposition zweier Composer-Performer greift diese Vielfalt auf und verschränkt sie in gegenseitiger Ergänzung.
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SUMMARY:Giusto Chamber Orchestra: Under Changed Conditions
DESCRIPTION:Under Changed Conditions (UA) Vier mikrotonale Stücke für Streichquartett von Nikolaus Gerszewski \nGiusto Chamber Orchestra\nLeitung Erika Litvan \nErika Litván: Violine\nBéla Sárközi: Violine\nBorbála Ruda: Viola\nIván Rőder: Cello \n„Die Feinde der Neuen Musik haben recht: Neue Musik ist keine Musik“ (Mathias Spahlinger) \nWas Musik und was keine ist\, ist keine Frage der Definition\, sondern des Hörens. Musik\, die nicht als Musik gehört wird\, ist keine Musik. Insofern haben die Feinde der Neuen Musik recht\, denn sie hören nicht zu. Was aber die Feinde der Neuen Musik nicht erkennen\, ist daß das Keine-Musik-Sein der Neuen Musik ihr Verhältnis zur Musik definiert. Indem die Neue Musik versucht\, sich von der Musik abzugrenzen\, wirft sie die Musikfrage erst auf. Neue Musik ist nicht nur keine Musik\, sie ist das Gegenteil von Musik. Das Gegenteil von Musik ist natürlich immer noch Musik\, wie eine negative Zahl immer noch eine Zahl ist. Was wir suchen ist der Nullpunkt: der Ort von dem aus die Unterscheidung der Musik getroffen wird. Es gilt\, eine Musik zu schaffen\, die diesen Nullpunkt als Fluchtpunkt umkreist\, und deren Hören ein permanentes Unterscheiden ist. Ein solches Hören ist das Hören des Komponisten: ein Hören das Musik erschafft\, indem es eine Grenze zieht\, zwischen dem was Musik und was keine ist. \nGiusto Kammerorchester wurde 2004 von Erika Litván\, Konzertmeisterin\, gegründet. Es begann als Streichorchester\, hat sich aber im Laufe der Zeit auch an anderen Besetzungen versucht\, vom Violinduo bis zum Sinfonieorchester\, und gibt regelmäßig Konzerte in Budapest und ganz Ungarn. Am 11.1. 2019 spielte Giusto im Rahmen des Transparent Sound Festivals die Uraufführung von Nikolaus Gerszewskis Inert Mass im Theater Studio K. Am 21.6. 2019 nahm Giusto an einer Aufführung von Phill Niblocks 4 Chorch im Feszty House teil. Am 11.9. 2019 spielte Giusto die Uraufführung mehrerer Werke von Nikolaus Gerszewski im Three Ravens in Budapest. Giusto spielte 2020 Werke von Nikolaus Gerszewski mit einem Streichquartett ein\, die 2021 auf einer CD bei flea records veröffentlicht wurden (flea 011). \n2023 veröffentlichte hathut (ezzthetics) die CD Three Works for Strings mit Kompositionen von Nikolaus Gerszewski\, gespielt von Giusto. https://nikolausgerszewski.de/3w.html \nAm 6. April 2024 spielte Giusto Nikolaus Gerszewskis Streichquartett Beethoven Square im OMA (Ordinary Music Archives) in Budapest. https://nikolausgerszewski.de/beethoven.html
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SUMMARY:tangent mek · Berz / Chualan / Voglsinger
DESCRIPTION:tangent mek:\nAnouck Genthon – Violine\nAnna-Kaisa Meklin – Viola da gamba\nMarina Tantanozi – Flöten\, Stimme \nThe music of the trio is an open-ended sonic space. Dense\, broken\, the sound surfaces and structures are continuous\, oscillating between noise\, drone and traces of folk music fragments that remain rather distant associations. The trio gently leads the listener into the sounds themselves\, using memory as a process as well as a research method: focusing on their countries of origin over the past years\, the trio re-traces their sonic soil and endlessly reactivates its language. \nhttps://montagnenoire.bandcamp.com/album/immutable-traveler \nAnna-Kaisa Meklin is a viola da gamba and organ player\, improviser and composer. Born in Finland\, they live in Basel and in Geneva since 2003\, where they are active in the improvised music scene. Their projects often locate in interspaces between different musical languages\, like early music and experimental\, free improvised music. They are interested in collective processes and in the question of responsibility towards environment and audience.\nBorn in France\, Anouck Genthon is a violinist based in Geneva (CH). She anchors her work in the development of her own language through the experience of sound and listening. She likes to engage in transversal forms of research and she plays in various contexts at the crossroads of improvised\, experimental\, contemporary\, electroacoustic and traditional music through projects ranging from solo to large ensemble. Her work is published by Carton\, Ligne de crête\, Montagne Noire GMEA\, Sbire records\, Wide Ear Records\, Newwaveofjazz\, Another Timbre\, Confront Recordings\, Pan y rosas discos\, UNRec\, Insub. Records\, Le petit label\, Thödol\, Gamut Edition. She is the author of “Fictation” (Gamut\, 2020) and “Tuareg Music. From political symbolism to aesthetic singularization” (L’Harmattan\, 2012).\nMarina Tantanozi is a Basel-based flutist and improviser from Greece. She explores music-making in numerous settings based on improvisation\, reflecting on the notions of communication\, temporality and active listening. She combines voice\, microtonal textures and electronic processing in order to create a personal language and to expand the technical and expressive possibilities of her instrument. Active in numerous artistic and curatorial contexts\, she has collaborated with musicians and collectives all over Europe. She performs as a soloist\, as well as with the insub meta Orchestra\, Bottom Orchestra\, trio tangent+mek\, Eden/Loriot/Tantanozi trio\, duo with Andria Nicodemou\, duo Silvan Schmidt\, duo with Tom Malmendier among many others. Her work has been presented in major festivals such as Irtijal Beirut\, Borderline Athens\, Copenhagen Jazz Festival\, Willisau Jazz Festival\, Archipel Genéve\, Rümlingen Neue Musik Festival etc. \nGeschiebe | Berz / Chualan / Voglsinger:\nSimon Berz – Steine\, Elektronik\nKasho Chualan – präpariertes Klavier\nStefan Voglsinger – Nagra\, Elektronik \nUnterwasseraufnahmen vom Rauschen von Flusssteinen versetzen den Resonanzraum des Klaviers in Schwingung. Chualan präpariert das Instrument\, während Voglsinger die Klänge mit Open-Source-Elektronik und analogen Bandmaschinen filtert und transformiert. Berz komplettiert das Trio mit geologischen Soundexperimenten auf isländischen Vulkansteinen und Live-Elektronik.\nGeschiebe knüpft an die ortsspezifische Arbeit von Transceiver (Mamka Records MAM07\, 2024) an und erweitert diese um ein akustisches Instrumentarium\, das mit externen Klangräumen verschmilzt. Komponierte Stimmungen verbinden sich mit Field Recording Texturen\, die durch Resonanzräume transformiert und durch improvisierte Passagen ergänzt werden.
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SUMMARY:Nachhall #16: Every Song Ever I
DESCRIPTION:Mit: Paul Wallfisch (Tasten\, Stimme\, Elektronik) / Martin Siewert (Gitarren\, Lap Steel\, Elektronik) / Budgie (Schlagwerk) · Moderation: Astrid Schwarz \n 
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SUMMARY:Playtypus Ensemble: Eine kleine Nacht Luciers
DESCRIPTION:Ausgehend von dem bekannten Stück “I’m sitting in a room” von Alvin Lucier entspringt die Idee für ein neues Klangexperiment von Masao Ono und Heimito von Wolfson. Das Klangmaterial entstammt dabei aus den verschiedenen Stadien des Originalstücks. Im Mittelpunkt steht auch hier der Prozess des wiederholten Aufnehmens und Wiedergebens. Was genau am Ende erklingen wird\, lassen die Komponisten\, wie Lucier auch\, dem Publikum\, den Musiker:innen und vor allem der Akustik des Echoraums über. \nProgramm: \nMasao Ono und Heimito von Wolfson – Neues Werk \nPlatypus Ensemble \nAnna Koch – Bassklarinette\nJan Satler – Klavier\nAnnette Fritz – Violine\nStefanie Prenn – Violoncello\nJaime Wolfson – Toy-Piano\nMasao Ono – Elektronik\nAron Ludwig – Klangregie
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SUMMARY:Vernissage: CD die Treppe hinabsteigend
DESCRIPTION:Stefan Hurtig\, Christoph Roßner\, Hadin Schorn\, Robert Vanis \nDie Compact Disc ist ein historisches technisches Medium. Wir sind mit den runden Scheiben in den 80ern groß geworden. In jedem Wohn- und Jugendzimmer gab es einen CD-Turm. Waren sie damals der Inbegriff des Neuen und Zeitgemäßen\, ist es erstaunlich\, wie überholt und gestrig sie uns heute erscheinen. Die Silberscheibe materialisiert den Moment des Übergangs von analoger zu digitaler Welt. Digitale Daten wurden durch sie erstmals mit einem physischen Gegenstand verbunden. Die CD ist ein Symbol für den Beginn der Digitalisierung. Im Angesicht der Musik-Streamingdienste hat sie ihre Funktion und Bedeutung verloren. Zeit für eine Hommage an die Compact Disc! \nStefan Hurtig (*1981 in Zwickau) studierte Medienkunst in Leipzig und Krakau und schloss 2011 als Meisterschüler von Alba D‘Urbano ab. 2018 erhielt er den Preis der Leipziger Jahresausstellung. 2019 zeigte das Museum der bildenden Künste Leipzig die dazugehörige Preisträgerausstellung. 2022 präsentierte das HALLE 14 – Zentrum für zeitgenössische Kunst Leipzig eine größere Rückschau seiner Kunst. Er lebt und arbeitet in Leipzig. www.stefanhurtig.de \nChristoph Roßner (*1982) studierte Freie Kunst und Malerei in Weimar und Dresden und war Meisterschüler von Ralf Kerbach. Seine Arbeiten sind in der Sammlung für zeitgenössische Kunst der Bundesrepublik Deutschland und im Kunstfonds Sachsen vertreten. Seit 10 Jahren arbeitet er mit der Romer Young Gallery in San Francisco und der dst.galerie in Münster zusammen. Er lebt und arbeitet in Leipzig. www.christophrossner.de \nHadin Schorn wurde in Düsseldorf geboren. Nach Reisen durch Zentralasien und den nahen Osten studierte sie Malerei\, Grafik und Buchkunst an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. Im Anschluss an ihr Diplom setzte sie ihre Studien als Meisterschülerin fort. Seither lebt und arbeitet Hadin Schorn als freischaffende Künstlerin in Leipzig. Seit 2019 setzt sie sich intensiv mit Hinterglasmalerei auseinander und entwickelt neue Techniken und Ausdrucksformen mit Glas als Trägermaterial. www.instagram.com/hadinschorn \nRobert Vanis (*1982) wurde im Erzgebirge geboren und studierte Bildende Kunst in Dresden und Leeds. Sein Meisterschülerstudium bei Lutz Dammbeck schloss er 2014 ab. Von 2016 bis 2025 leitete er das Fotolabor an der Hochschule für Bildende Künste Dresden. Seit 2025 unterrichtet er Fotografie an der Akademie der bildenden Künste Wien. Seine Arbeiten werden international ausgestellt und sind in mehreren privaten und öffentlichen Sammlungen vertreten. Er lebt in Wien. www.robertvanis.de \n 
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SUMMARY:XX Y X: Mysterious Signals
DESCRIPTION:Eine Live-Sound-Performance von Hui Ye und Ricarda Denzer \nIm Rahmen einer langfristigen Recherche zum Mantra – einer Anordnung stimmlicher Klangfolgen\, die die semantische Ebene überschreiten – setzt sich die Künstlerin Hui Ye mit unterschiedlichen spirituellen und esoterischen Ritualen auseinander und begegnet dabei Praktizierenden\, die die Stimme als ihr zentrales Arbeitsinstrument verwenden. In ihrer Live-Sound-Performance\, in der die Künstlerin Klangmaterial aus ihrem Forschungsarchiv mit verschiedenen Stimmen verwebt\, die verbale – oder vielmehr nonverbale – Informationen übermitteln\, versucht sie\, ein verborgenes Mantra freizulegen\, das eine fortwährende\, protektive Vibration trägt. \nO-Forschung ist Ricarda Denzers Annäherung an „O“. Wie ein unaufhörliches Hin und Her\, ein rätselhaftes Objekt „O“\, beschreibt Wilfrid Bion den Zugang zu „O“ als Resonanz\, nicht als kognitive Aneignung. „O“ bleibt immer dasselbe“ und verändert sich doch ständig. Para-Listening\, wie die Künstlerin ihren Hörprozess nennt\, ist eine Praxis\, in der das Horchen – auch als hörende Recherchemethode – „[…] eine Intensivierung und eine Sorge\, eine Neugier oder eine Beunruhigung ist“. Zuhören bedeutet hier „gespannt sein hin zu einem möglichen Sinn“\, es ist unvorstellbar\, chaotisch\, formlos und unendlich. \n  \nHui Ye (geboren in Guangzhou\, CN) ist eine Künstlerin und Komponistin mit Sitz in Wien. Sie arbeitet mit verschiedenen Medien\, darunter experimenteller Dokumentarfilm\, Video- und Audioinstallation\, und beschäftigt sich häufig mit den sozial-politischen Aspekten des Hörens sowie mit den sich ständig wandelnden Prozessen individueller sozialer Identität und deren Ausdruck in Technologie und Klangkultur. In ihren jüngsten Projekten steht die Stimme – sowohl die menschliche als auch die mehr-als-menschliche (more than human) – im Zentrum ihrer künstlerischen Forschung\, insbesondere in ihren digitalisierten Formen. Hui Ye ist Preisträgerin des Kunsthalle Wien Preises 2018 und Mitbegründerin von Mai Ling – einem queer-feministischen asiatischen Künstlerinnenkollektiv. Ihre Arbeiten wurden zuletzt in der Kunsthalle Wien\, der Secession Wien\, dem Belvedere 21 (AT)\, dem Jim Thompson Art Center (TH)\, der Lothringer 13 Halle (DE)\, der WRO Media Art Biennale (PL)\, dem Westbund Museum Shanghai und dem Times Museum Guangzhou (CN) gezeigt. http://yehui.org/ \nRicarda Denzer ist Künstlerin\, Lehrende und künstlerisch Forschende im Spannungsfeld zwischen postmedialer Bedingungen und Psychoanalyse. Denzer ist Mitherausgeberin der Publikationen ganz ohr / all ears – Audio Trouble\, Para-Listening\, and Sounding Research (De Gruyter); Silence Turned into Objects – W.H. Auden in Kirchstetten (Edition NÖ); Perplexities (Revolver) und dem eJournal #13\, Un_University\, der ZHDK. Neben ihrer Ausstellungstätigkeit realisierte sie zahlreiche (ortsspezifische) Kunstprojekte. Darunter ihre Langzeitdokumentation Telephone Paintings (2019- fortlaufend)\, Täuschungsmanöver\, zur Migrationsgeschichte in Allentsteig\, restore\, Site Santa Fe Biennial\, New Mexico\, USA\, About the House\, Kirchstetten\, Niederösterreich und derzeit die Umsetzung des HörWegs für den Gedenkort Reichenau in Innsbruck.\nhttps://www.soundingresearch.net/\nhttps://ricardadenzer.net/ \n  \n– – – – –\nXX Y X ist eine von Michaela Schwentner / Verein flor* kuratierte\, monatlich an verschiedenen Orten stattfindende Reihe.\n*flor – verein zur förderung gender- und diversityrelevanter spartenuebergreifender kunstproduktion\nhttp://www.jade-enterprises.at\nhttp://flor.skin/de/
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SUMMARY:bimm [BAMM]
DESCRIPTION:Elisabeth Flunger (Perkussion) / Edgar Friedl (Plattenspieler) / Chris Janka (E-Gitarre) \nbimm (auch bekannt als BAMM) ist ein experimentelles Trio aus E-Gitarre\, Plattenspieler und Schrottschlagzeug. Es siedelt im Freiland zwischen Schrottplatz und Strandbar und reicht seinem Publikum Erfrischungen in Form von skurrilen Klängen. \nRichtung Strandbar sitzt Chris\, der sich mit der E-Gitarre nicht nur dem Experiment\, sondern auch den Melodien und Harmonien des Wohlklangs und der Heiterkeit widmet. Elisabeth schielt mit ihrer Percussion in Richtung Schrottplatz und bringt die Liebe zum Zufall und den brachialen Umgang mit losen Metall- und Musikteilen ins Spiel. Edgar an den Turntables\, mit seiner seltsamen Sammlung von Text- und Archivschallplatten\, hat zu allem einen punktgenau passendenen Kommentar in der Kiste\, um diesem Zwischenort eine Eintragung in die speziellen Landkarten der unerhörten Musik zu ermöglichen. \nhttp://www.eflunger.com/httpdocs/DE/projekte.asp#etc_bimm \nBAMM \n \nSeit Frühjahr 2025 sind einige Videos zur Musik von BAMM (bzw bimm) entstanden. Sie zeigen\, was man alles zu dieser Musik träumen kann\, abstrakt\, symbolisch\, real oder mit Trick. Und dass das\, was hektisch und chaotisch klingt\, auch Ruhe und Gelassenheit erzeugen kann. Zu sehen gibt es Musikvideos von Angela Christlieb\, Jack Hauser\, Sabine Marte\, Rudolf Müller und Doris Schmid\, zu hören gibt es zwischendurch bimm (oder auch BAMM) live ohne Video.\n \nDa die Musiker:innen von BAMM / bimm auch abseits der Livemusik künstlerisch tätig sind\, wird es im Beiprogramm ein paar Nebenattraktionen geben: Chris‘ mikrotonaler Luster wird ab Anfang Jänner im Echoraum hängen\, Elisabeth baut eine Miniversion ihrer Murmelbahn auf und Edgar bringt ein paar Ergebnisse seiner künstlerischen Produktion mit. \nElisabeth Flunger ist Schlagzeugerin\, Komponistin\, Performerin und Klangkünstlerin. Sie spielt improvisierte und komponierte neue Musik\, arbeitet in Theater- und Tanzproduktionen\, hält Improvisations- und Kompositionsworkshops für Kinder und Erwachsene und konzipiert orts- und themenspezifische Installationen und Performances. Ihr Lieblingsinstrument ist ein loser Haufen von Metallobjekten\, die sie in Konzerten und Performances verwendet. Für dieses Instrumentarium hat sie spezielle Spieltechniken entwickelt und eine Reihe von Solostücken komponiert.\nwww.eflunger.com \nEdgar Friedl studierte Plastische Konzeption und Keramik an der Kunstuniversität Linz und spielte Schlagzeug in diversen Bands\, bevor er 2009 zu den Plattenspielern und Tonbandgeräten griff. Er arbeitet mit The Sicker Boys\, GIS Orchestra\, BIMM\, Pu-Tin-Clan\, Kassa 4\,tritt solo als Oto Nagasaki auf. oto_nagasaki\nhttps://otonagasaki.bandcamp.com/ \nChris Janka arbeitet als Musiker\, Komponist\, Klangforscher\, Künstler\, Maschinenbauer und Tonstudiobetreiber an der Schnittstelle von Musik\, neuen Medien und Sound Art zu technischen Fragestellungen und interdisziplinären Umsetzungsmöglichkeiten. Er ist Leiter des experimentellen Soundlabs auf der Kunstuni Linz. Legendär ist nicht nur der Film „Under the Underground“\, den Angela Christlieb über sein Studio gedreht hat\, sondern auch seine Musikmaschinen\, unter anderem „The Totally Mechanized Midi Orchestra“\, das auch live mit der Band Blueblut spielt und in Angela Christliebs Kurzfilm „The Garden of Robotic Unkraut“ porträtiert wird. \nAKTUELL Start
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SUMMARY:Daily Special #02
DESCRIPTION:Leonie Strecker – Neue Soundperformance für Stimme und Elektronik\nStefan Grimus – Neue Komposition für Dora Donata Sammer (Kontrabass-Blockflöte und Elektronik)\nMiriam Stoney & Robert Schwarz – I’m just saying \nBartholomaeus Wächter – Bühne\nAnna Hostek – Kostüm \nStefan Grimus ist ein in Wien geborener und lebender Komponist. Er studiert an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien und hat Soziologie in Wien und Berlin studiert. Seine Arbeit ist in der Subkultur-Ästhetik experimenteller Club- und gitarrenbasierter Musik verwurzelt\, deren musikalische Parameter und Strukturen durch zeitgenössische klassische Musikpraktiken erweitert werden. Stefan Grimus ist Mitbegründer des Konzertformats Daily Special. https://www.instagram.com/stefangrimus/ \nAnna Hostek schloss die Klassen Skulptur und Raum bei Hans Schabus (2022) und TransArts (2021) an der Universität für angewandte Kunst Wien ab und studierte an der Akademie der bildenden Künste Wien in der Klasse für Fotograf ie bei Martin Guttmann. Ausgebildet als Schneiderin\, arbeitet Hostek seit 2014 projektbasiert an der Entwicklung von Kostümbildern an Theater- und Opernhäusern. Seit 2018 ist sie mitverantwortlich für die dynamische Ausstellungsplattform ‚E++‘. Seit 2024 leitet sie mit Stefan Grimus die Performancereihe ‚Daily Special‘. Ihrer künstlerischen Arbeiten wurden unter anderem bei Galerie Georg Kargl PERMANENT (AT)\, EXILE Gallery (AT)\, Fonda Leipzig (DE)\, housy (CHE) und City Galerie (AT) gezeigt. https://www.hostek.at/ \nDora Donata Sammer is a soloist and chamber musician. In 2023\, she won the f irst prize of the Berlin Prize for Young Artists\, an international competition that honours solo programmes by instrumentalists with outstanding skills and strong artistic visions. The young Austrian recorder player distinguishes herself in unconventional curated concert programmes in which she focuses on the interplay of early and contemporary music as mutually dependent. The role of space in music and the creation of temporary spaces through music is the central element and goal. She is interested in contrasts and extremes\, in the challenges of physically and audibly going to and beyond boundaries in musical pieces and concert programmes. For her\, early and contemporary music are mutually dependent as they cannot exist without each others references. Through her studies of early music\, historical performance practice and from the perspective as a double instrumentalist\, coming from the piano and fortepiano\, Dora Donata Sammer approached contemporary music and collaborations with today’s composers. Born in Graz in 1997\, she studied at the Mozarteum University in Salzburg\, where she completed her master’s degree in recorder with Dorothee Oberlinger. Furthermore she studied at the University of Music and Performing Arts Vienna with Carsten Eckert (recorder) and Albert Sassmann (piano)\, specialising in fortepiano with Stefan Gottfried. She has received scholarships from the University of Music and Performing Arts Vienna and TONALi Hamburg. https://doradonatasammer.com/ \nRobert Schwarz arbeitet im Grenzbereich zwischen Architektur\, Musik und bildender Kunst. Er studierte Architektur an der Technischen Universität Wien\, Computer Musik an der Universität für Musik und Darstellende Kunst Wien und Sound Studies an der Universität der Kunste Berlin. Veröffentlichungen von Tonträgern bei den Labels ETAT\, Alter Records\, Gruenrekorder\, AVA\, und Barehands. Ausstellungsbeteiligungen u. a. in der Kunsthalle Wien\, der Ars Electronica Linz\, dem CTM Berlin\, im MAK Center for Art and Architecture in Los Angeles\, im Etablissement d ́en Face in Brussel\, im Haus der Kulturen der Welt in Berlin sowie im Museum fur Angewandte Kunst Wien. Für seine Arbeit erhielt er Stipendien und Auszeichnungen wie das MAK Schindler Scholarship\, das DAAD Studienstipendium\, den SUAL Award\, sowie „Los Angeles’s Ten Worst Neighbors of 2015“ von LA Curbed und Platzierungen in Year-End Charts von A Closer Listen\, Musique Machine und Espace Sonore. Weiters ist er Mitbegründer und Kurator des Wiener Festivals „PARKEN; Or\, Live in the Park“ zur Vermittlung experimenteller Musikformen sowie Koautor der Serie „Los Bar“\, „Strookoffer“\, „Laxbar“ und „Relax“. https://r-schwarz.net/ \nMiriam Stoney (geb. 1994\, Scunthorpe\, Vereinigtes Königreich) ist Schriftstellerin\, Übersetzerin und Künstlerin. Stoneys Praxis ist in erster Linie textbasiert und umfasst Ausstellungsgestaltung\, Performance und verschiedene Formen des Schreibens. Die Arbeiten der Künstlerin wurden unter anderem bei Prosopopoeia\, Wien; im Salzburger Kunstverein; im Kunstverein in Hamburg (alle 2024); in der Klosterruine Berlin (2023) und im Tanzquartier Wien (2022) gezeigt. Stoney lebt und arbeitet in Wien. https://www.miriamstoney.com/ \nLeonie Strecker is a composer and sound artist. Her work includes electronic and electro-acoustic music\, compositions for soloists and ensembles\, as well as performances and installations. She explores ideas around the hybridity of form\, presence and absence\, the connection of memory and experience\, and the meaning of concrete and synthetic sound. Her works have been shown at La Biennale di Venezia\, Venice; Audio Art Festival\, Krakow; Musikprotokoll Festival\, Graz; Kunstpalast\, Düsseldorf; Kunstsammlung NRW\, Düsseldorf; De Singel Arts Centre\, Antwerp; ZKM\, Karlsruhe\, among others. Born in 1995 in Düsseldorf\, she studied electroacoustic composition in Rome and Düsseldorf before graduating cum laude from the University of Music and Performing Arts in Graz. https://leoniestrecker.com/ \nBartholomaeus Wächter is an artist based in Vienna. He graduated under Hans Schabus at the University of Applied Arts Vienna. His work has been shown in institutions and independent spaces such as Salzburger Kunstverein\, Neuer Kunstverein Wien\, Gallery Wonnerthdejaco\, Kunsthalle Exnergasse\, PARALLEL Vienna and Haus Wien. Recent projects include Insides of a Practice at Laurenz Space (Vienna) and ANTON at Plateau Vienna. He is a founding member of the artist collective Garage Show This artistic practice explores the intersection of self-produced systems and industrially standardized objects. Drawing on processes of mass production\, Bartholomaeus Wächter creates unique sculptural forms that resemble functional\, elements like architectural fragments\, but resist utility. These objects operate as regulatory tools: they demarcate space\, direct movement\, and subtly choreograph bodily interaction. Through materials and methods rooted in “tooling” and control logic\, his work reflects on the fragile promise of structure and the social infrastructures embedded in technologies of organization. Apart from his artistic practice\, Wächter is working on an ongoing series of displays mainly made of MDF\, aluminum\, and paper\, which are shown in numerous contexts. https://www.garageshow.info/
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SUMMARY:Trio Paidia: phönix
DESCRIPTION:  \nDonnerstag\, 15. Jänner 2026 · 20:00 Uhr \nTrio Paidia: phönix \nMiho Sakuma (Flöte)\nAnna Aigner (Violoncello)\nErika Spring (Klavier) \nUraufführungen von Mathias Johannes Schmidhammer und Tobias Weiß\, sowie Werke von\nKaija Saariaho und Rebecca Saunders \nMit dem Programm „phönix“ umkreist das Trio Paidia die Idee der zyklischen Erneuerung. Es erkundet die verschiedenen Lebensphasen des mythischen Vogels Phoenix – von der Geburt über die Entfaltung bis zur Verbrennung und Wiedergeburt. Im Zentrum steht die Uraufführung „Lebenszyklen – Zeit der Phönixe“ von Mathias Johannes Schmidhammer für Flöte\, Violoncello und Klavier. Jede Musikerin verfolgt eine eigenständige Stimme; nur zu festgelegten Zeitpunkten interagieren die drei jeweils anhand des musikalischen Materials\, das sie in genau diesem Moment gerade spielen. Eine Analogie für das menschliche Beisammensein\, weil wir ja in jede Interaktion unser eigenes „Tonmaterial“ mitbringen\, das unsere Mitmenschen erst in der Interaktion mit uns entdecken. Erweitert wird dieser Gedanke noch mit der Frage\, was wäre\, wenn dieses Aufeinandertreffen mehreren Phönixen passiert\, die ihr gesamtes Leben immer wieder zyklisch durchleben. Nach dem gemeinsamen Kern durchläuft jede Stimme ihren eigenen Zyklus. Räumlich verteilt spielen die Musikerinnen solistisch Werke von Kaija Saariaho und Rebecca Saunders sowie eine Uraufführung von Tobias Weiß. Am Ende finden sie wieder zusammen – und lassen aus der Asche\, aus Cendres von Kaija Saariaho\, Neues entstehen. \nMiho Sakuma wurde in Tokio (Japan) geboren. Sie begann im Alter von 3 Jahren mit dem Klavierspiel und erhielt ab ihrem 9. Lebensjahr Flötenunterricht. Ihre Ausbildung als Querflötistin absolvierte sie an der KCM in Tokio bei Taro Otomo\, an der MUK Wien bei Rudolf Gindlhumer sowie an der MDW Wien im Masterstudium Neue Musik-Ensemble bei\nEva Furrer. Seit 2025 studiert sie im PPCM an der KUG Graz bei Vera Fischer. Sie ist Preisträgerin zahlreicher Wettbewerbe\, unter anderem 2. Preis des XIV. Internationalen Wettbewerbs Giovani Musicisti – Città di Treviso\, 4.Preis der Asia Flute Competition Kobe sowie Finalistin der Osaka International Music Competition. Seit 2012 wird sie außerdem jährlich vom Musikdirektor Baldwin Sulzer zum Japan Mozart Music Festival eingeladen. Darüber hinaus pflegt sie enge Zusammenarbeit mit zeitgenössischen Komponistinnen und Komponisten und wirkte bei zahlreichen Uraufführungen neuer Werke mit. \nAnna Aigner erhielt ihren ersten Instrumentalunterricht im Alter von fünf Jahren an der OÖ-LMS und schloss 2024 das Instrumentalstudium an der mdw Wien bei Peter Somodari mit Auszeichnung ab. Parallel zu ihrem Studium in Wien war sie 2023/24 im „postgradual“ Lehrgang an der Akademie für Tonkunst in Darmstadt bei Romain Garioud eingeschrieben. Anna Aigner interessiert sich besonders für zeitgenössische Kompositionen und nahm 2020 an den Internationalen Ferienkursen für Neue Musik in Darmstadt teil. Sie spielt in zahlreichen Kammermusikformationen\, wie dem „Duo Veris“\, im Kammerorchester „Klangkollektiv Wien“\, bei den „Divinerinnen“ und bei „Sigrid Horn und das Nest“. Derzeit hat sie einen Zeitvertrag bei den Vereinigten Bühnen Wien. Neben ihrer Bühnenpräsenz hat Anna Aigner auch an mehreren CD-Veröffentlichungen mitgewirkt\, darunter Aufnahmen mit dem „Klangkollektiv Wien“\, dem Ensemble „Divinerinnen“ sowie mit der österreichischen Sängerin Sigrid Horn. www.annaaigner.at \nErika Spring\, geboren 1997 in Scheibbs\, ist Pianistin\, Kammermusikerin und Klavierpädagogin. Schon in frühester Kindheit entdeckte sie das Klavier für sich und erhielt mit sieben Jahren ihren ersten Klavierunterricht. Nach dem Musikgymnasium Linz setzte sie ihre Ausbildung an der mdw Wien fort. Dort studierte sie Instrumental- und Gesangspädagogik Klavier und schloss das Bachelorstudium bei Christiane Karajev sowie das Masterstudium bei Amandine Savary und Johannes Marian mit Auszeichnung ab. Für ihre hervorragenden Leistungen im Studium erhält sie den Würdigungspreis 2025 der mdw. Zudem wurde sie für die Übe-App Practice Room mit dem AVISO-Publikationspreis ausgezeichnet. Derzeit absolviert sie das Masterstudium Kammermusik bei Christoph Eggner an der mdw. Erika Spring tritt sowohl solistisch als auch in unterschiedlichen Kammermusikformationen auf und widmet sich dabei besonders gern der zeitgenössischen Musik. www.erika-spring.at
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SUMMARY:Vernissage Chris Janka: Microtonal Chandalier · Phenomenal World
DESCRIPTION:Fischer\, Quehenberger\, Kern = Phenomenal World \nThere’s a new band in town\, and it’s called Phenomenal World !\nAfter years of crossing paths in the experimental music scene\, Michael Fischer (feedback-saxophone)\, Didi Kern (drums)\, and Philipp Quehenberger (keyboard) have finally come together to record their first album. The result is a raw\, dynamic exploration of sound —where intricate rhythmic play dances with shifting notions of time and space and melodies drift between tenderness and defiance\, reappearing in subtle variations – blurring the line between chaos and coherence with effortless fluidity. Phenomenal World delivers a visceral sonic journey—where punk energy collides with the depth and unpredictability of free improvisation. \nMichael Fischer arbeitet an der Sprachimmanenz von Klängen und ihrer skulpturalen und dramatischen Evidenz im Bereich der radikal frei improvisierten / experimentellen Musik. 1999 begann er\, das akustische Phänomen Feedback in seine Arbeit zu integrieren und entwickelte ein ausschließlich analoges\, effektfreies Instrument\, das Feedback-Saxophon\, das am ZKM – Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe oder STEIM Amsterdam weiterentwickelt wurde. Er ist Gründer zahlreicher Ensembles\, u.a. der langjährigen Projekte BAGG*FISH und M. A. D.; 2004 lancierte er das Vienna Improvisers Orchestra\, das u.a. beim Moers-Festival (D)\, Wien Modern oder der Vienna Art Week aufgetreten ist. Als instant composition conductor arbeitet er mit zahlreichen Improvisationsorchestern und temporären Großensembles für internationale Festivals\, Universitäten u. a. Institutionen. Seit Mitte der 90er Jahre Kooperationen in der internationalen Szene für Frei Improvisierte Musik und mit Schriftsteller:innen experimenteller Poesie; Tourneen und Festivalpräsenz in Europa\, Kanada\, USA und Japan. Zuletzt performative Lichtinstallationen NEON (für z.B. Donaufestival Krems\, Künstlerhaus Wien) oder ColorRaySaxophone (V.esch). Guest-lecturer an z.B. Peabody Institute – The Johns Hopkins University/USA\, University of California Irvine\, Newcastle University/UK\, Music Academy – University of Montenegro\, Janáček Academy of Music and Performing Arts Brno\, Universität für Musik und darstellende Kunst Wien\, die Angewandte Wien u.a.. \nDieter Kern ist nicht nur als präziser und vielseitiger Schlagzeuger der österreichischen Bands Bulbul und Fuckhead bekannt\, sondern hat sich auch einen Ruf in der improvisierten und freien Jazzszene erspielt\, indem er mit so namhaften Künstlern wie Satoko Fujii\, Linda Sharrock\, Saadet Türköz\, Marshall Allen\, Joe McPhee\, Ken Vandermark und Mayo Thompson zusammengearbeitet hat. Inzwischen gilt er als einer der geschäftigsten Schlagzeuger der Wiener Szene. Didi hat sich als ein einfallsreicher\, energischer Improvisator mit einem ausgeprägten Sinn für Humor etabliert. Er lebt und arbeitet in Wien. \nPhilipp Quehenberger\, geboren 1977 in Innsbruck\, aufgewachsen in Tirol\, Seattle (US) und Newcastle (GB). Lebt und arbeitet als freelance Musiker und Komponist in Wien.
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SUMMARY:noche de Werner 25
DESCRIPTION:Agnes Hvizdalek solo (Stimme) · Billy Roisz & dieb13: echoes of the kornfields (Turntables\, Fieldrecordings\, Electronik\, Video-Score) · Sisters in Noise: Miriam Jochmann / Nina Jukić / Ellen Preuss (Kontrabass\, Stimme\, Elektronik)
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SUMMARY:The Magic I.D.
DESCRIPTION:Kai Fagaschinski (Klarinette) / Margareth Kammerer (Stimme\, Gitarre) / Christof Kurzmann (lloopp\, Devices\, Stimme) / Michael Thieke (Klarinette)
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SUMMARY:Isidora Edwards & Vinicius Cajado · Duthoit / Sinkauz / Sinkauz
DESCRIPTION:Isidora Edwards (Cello) & Vinicius Cajado (Kontrabass) · Isabelle Duthoit (Stimme & Klarinette) / Alen Sinkauz (E-Bass & Elektronik) / Nenad Sinkauz (E-Gitarre & Elektronik)
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SUMMARY:XX Y X: Cordula Daus & Nina Bauer
DESCRIPTION:Cordula Daus & Nina Bauer play the space (Live-Performance
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SUMMARY:shut up and listen! 2025: PAST_20 → NEXT_∞ Transdisziplinäres Festival für Musik und Klangkunst
DESCRIPTION:Donnerstag\, 16. bis Samstag\, 18. Oktober 2025: echoraum (1150 Wien) sowie Livestreaming Sonntag\, 19. bis Samstag\, 25. Oktober 2025: SP•CE (\, 1190 Wien) \nIn Kooperation mit sp·ce – Verein zur Förderung von Kunst und Transdisziplinarität \nIn 2025\, the transdisciplinary festival shut up and listen! will celebrate its twentieth anniversary with a particularly extensive anniversary edition. Under the artistic direction of composer and curator Belma Bešlić-Gál\, the title PAST_20 → NEXT_∞ unfolds a transgressive structure between archive and speculation\, memory and still-unheard spaces of possibility. The festival once again transcends the character of a mere concert series and moves through time as a resonant space\, unfolding both backward and forward. In addition to the established echoraum venue\, the SP•CE audio gallery will also be used in 2025 – an addition that should be understood not only as a physical expansion but also as a conceptual extension. Since the COVID-19 pandemic\, a large portion of the performative contributions have been presented both via livestreaming and in the tried-and-tested format of collective experience on site. \nAcross nine festival days\, sual! connects the festival’s diverse audiences. 2025 will feature concerts\, performances\, audiovisual works\, sound installations\, and exhibition contributions within an open structure in which historical positions not only engage in dialogue with new works\, but also challenge each other. The media archive SUAL ARCHIVES #20 documents interdisciplinary diversity through selected artistic contributions from 20 festival editions. \nsual! 2025 includes twelve performative contributions\, including numerous premieres and new works by Petra Sandner\, an installation by Kolektiv ПROSTORЪ\, and discursive formats. The SP•CE listening gallery will present a multi-channel listening room and a comprehensive media archive with contributions from 20 festival years\, as well as a new quadraphonic sound installation by Berlin-based composer-performer Kai Fagaschinski\, created as part of the artistic research project AUDIO GHOSTS. \nThe musical program expands the concept of composition toward processual\, intermedial\, and auditory-theatrical formats. The opening at echoraum brings together works by Gertrude Moser-Wagner | Ulrich Kaufman and Radu Malfatti\, and the Ensemble Zimt (extended) featuring Franz Hautzinger create sonic structures that oscillate between reduction\, micro-interventions\, and condensation. The second day of the festival is dedicated to current developments in the post-Yugoslav space\, featuring an electroacoustic performance by Svetlana Maraš\, a lecture by Damjan Jovičin on sound and social engagement in Belgrade\, and a collective sound action by the formation metacounterpoint. The festival continues with a sound projection by noid and performances by Ensemble echo_von_nichts and Manuel Pessoa de Lima\, which explore the boundaries of sound\, language\, and body as semiotic carrier structures. \nWith the relocation to the SP•CE listening gallery\, the focus shifts from performance to space-related sound research. In addition to Kai Fagaschinski’s premiere of a sound installation for a virtual clarinet quartet\, the multi-channel listening space SHUT UP AND LISTEN! 2006-2025 forms an immersive acoustic topology of the festival’s history. \nshut up and listen! 2025 is not a retrospective look back\, but rather a dynamic reconstruction of temporality through sound – a festival that sees itself not as a closed edition\, but as an open resonance structure across time. \nBelma Bešlić-Gál\, Artistic Director
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SUMMARY:Alister Spence & Tony Buck
DESCRIPTION:Alister Spence (Klavier\, Perkussion) · Tony Buck (Schlagzeug\, Perkussion) \nFinissage Stephanie Geiger / Vinzenz Schwab / FM Einheit: Feldspate
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SUMMARY:Berlinde Deman · Jorge Espinal
DESCRIPTION:Berlinde Deman solo (Serpent & Elektronik) · Jorge Espinal (präparierte Gitarre\, bass drum\, Cowbell\, Pedale und Laptop)
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SUMMARY:Nachhall #15: Magnetbanduntergrund Ost
DESCRIPTION:mit Susanne Binas-Preisendörfer (Der Expander des Fortschritts/ Berlin) & Alexander Pehlemann (Zonic/ Leipzig) · Konzert: Der Expander des Fortschritts feat. Safi
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SUMMARY:Kousteridou & Salmón · Käser & Peters
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SUMMARY:Schallschatten · Roger and the Pacemaker
DESCRIPTION:Birgit Ulher (Trompete\, Radio\, Lautsprecher\, Objekte) & Petr Vrba (Trompete\, Elektonik) · Seijiro Murayama (Perkussion\, Stimme) & Roger Fähndrich (E-Gitarre\, Stimme\, Text)
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SUMMARY:das kleine 3 × 2
DESCRIPTION:mit Camilo Ángeles solo (Flöten\, Elektronik) · Marina Cyrino solo (verstärkte Altflöte\, Piccoloflöte) · Audrey G. Perreault solo (Bass- und Kontrabassflöte)
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