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SUMMARY:Monday Improvisers Session hosted by Didi Kern
DESCRIPTION:Initial session:\nLinda Sharrock |voice\nMario Rechtern |saxophone\nGeorg Edlinger |percussion
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SUMMARY:velak-gala #146
DESCRIPTION:La Cuerda y el Grito \nLa Cuerda y el Grito\, translated as “The String and the Scream”\, is a multidisciplinary performance that blends contemporary music\, free improvisation\, body\, and object. Yuko Cornale and Sofía Escamilla work from a place of depth and in the quest for the intangible – each from a different language: one using the voice as a portal\, the other through cello as an extension of the body. This duo is born from attentive listening and the willingness to inhabit the moment. While Yuko’s voice folds\, distorts\, and channels the intangible\, Sofía’s cello expands through digital processing and sound objects. \nA seismic encounter between two explorers of the deep who come together in a dialogue of sounds and emotions. Voice and cello merge and warp creating an intimate ritual where air becomes string\, and string becomes scream. Both artists were selected for the Ibermúsicas – Emilia Romagna call\, with tours in Mexico and Italy alongside the trio HackOut!. In 2025-2026 they develop The String and the Scream. \n\n \nYuko Cornale \nPerformer\, improviser\, composer\, and producer born in Bolivia and of Italian nationality. Based in Mexico City for over ten years\, her work focuses on vocal exploration and the use of extended techniques. Active in the experimental scene\, she performs in free improvisation concerts and collaborates with contemporary music ensembles. She teaches private voice lessons and leads the Vox Anima workshop\, which encourages vocal exploration and somatic knowledge of the voice. \nShe currently leads two main projects: Craniata\, an immersive performance combining digital art\, visual arts\, electronic music\, body\, and voice; and Ensamble Voraz\, a group dedicated to free improvisation with influences of black metal\, doom\, and noise rock. Her practice is driven by the exploration of the depths\, channeling the intangible. \nSofía Escamilla \nCellist\, composer\, and sound artist Mexican who moves between contemporary academic music\, free improvisation\, performance\, and electroacoustic music. Her approach to the instrument begins with the exploration of extended techniques with real-time digital processing\, layering voice and other sound objects. Her work also spans multidisciplinary collaborations in poetry\, dance\, theater\, and film. Notable collaborations include the Mexico City Philharmonic Orchestra 2023 as a composer selected for the Orchestral Techniques Workshop\, and with the UNAM Choreographic Workshop 2025 as a live cellist. She is currently a member and founder of the free jazz trio Segaki\, a member of Kóryma orchestra led by jazz pianist Ana Ruíz\, and cellist in trumpeter and jazz artist Jacob Wick’s ensemble\, with whom they recorded an album in 2025. \nErikM \nDisappearing Words takes as its starting point the list of terms banned by the Trump administration — science-based\, transgender\, diversity\, climate change… Entrusted to an AI-generated artificial voice\, these words appear as a fragile memory\, already under threat of erasure. Integrated into the Idiosyncrasie device\, built from real-time sound streams and reconfigured raw materials\, they enter a process of continuous transformation. Little by little\, the voice blurs\, dissolves\, merges with the streams\, and drifts toward entropy: a state where meaning fades\, where sonic matter decomposes into an unstable and unpredictable field. Between memory and disappearance\, Disappearing Words sets political language and its\nmanipulation against the fragility of any sonic trace\, questioning the ways in which words can be erased\, diverted\, or rendered inaudible. \neRIkm (Aka Erik M) is a French musician\, composer and visual artist. Since his first experience in the plastic and visual arts\, ErikM takes the risk to escape any attempt of hasty categorization. Very quickly considered as a virtuoso of electronic devices and sound arts (1994)\, he crosses the worlds-systems called „independent“\, „institutional“ and territories (France – International). He develops an openly prospective approach of the technological medium. He conceives acousmatic works or composes mixed music for instrumental ensembles (Ensemble Inter contemporain\, Phoenix Basel\, Les Percussions de Strasbourg\, Dedalus…). He has collaborated with Luc Ferrari\, Jean-Luc Nancy\, Christian Marclay\, Thurston Moore\, Bernard Stiegler\, Mathilde Monnier\, FM Einheit\, Will Oldham … and creates transversal works that constitute a singular kaleidoscopic vision and put in tension the intimate and the political\, the popular and the learned. \nwww.erikm.com\n \nSajjra Xhrs Galarreta \nPsychoacoustic live session with Andean-Amazonian ceramic whistle \nPremiered at DATA (Marseille) under the new moon of November 21 of 2025. \nA physical sound experience based on deep breathing\, silence\, resonances\, and tonal imprecision in the mid-frequency range\, performed with an Andean clay ocarina. The playing style is influenced by the “cracked\,” dissonant\, intense\, and energetic sound characteristic of rituals with Andean wind instruments. Otoacoustic situationism and rural futurism. \nhttps://chrsgalarretaprojects.bandcamp.com/
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LOCATION:echoraum\, Sechshauserstrasse 66\, Wien\, Wien\, 1150\, Austria
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SUMMARY:Eat me Cosmos
DESCRIPTION:Swallowing space and time\, this durational performance swings dangerously close to its surround in simultaneously evoking theatrical perception and uneventful meditative drama. In it\, object\, sound and motion churn in and spit out a single performer’s sustained effort to maintain the center of everything all at once at Reaktor’s grand hall. Melanie Maar and Christian Schröder create a field of attention for performer and audience alike\, conjuring a continuum between hard-earned individual agency and a pleasurable surrender to collectively being eaten alive. \n‘Melanie Maar and Christian Schröder have been working together for over a decade. Though one of these artists generally works with sound and the other with bodily movement\, neither subscribes to categorization\, staying in one’s lane\, or conventional roles and boundaries in the realms of music\, performance and art.’
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SUMMARY:Synesthetic Wednesday
DESCRIPTION:Der Synesthetic Wednesday ist zurück und startet die Saison in einer neuen Location\, bevor er für den Rest des Jahres ins Rhiz zurückkehrt.\nDie Konzertreihe\, die seit 2018 eine Mischung aus experimenteller Groovemusik\, progressivem Nu-Jazz und elektronischer Live-Musik präsentiert\, stellt bei diesem späten ersten Termin des Jahres ein volles Line-up vor\, das einen spannenden und abwechslungsreichen Abend verspricht. \nDoors: 19:00\nStart: 20:30
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LOCATION:Club Lucia\, U-Bahnbogen 24-25 (U6 Thaliastraße)\, Wien\, Wien\, 1080\, Austria
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SUMMARY:Listening Session mit Blessed and blushing
DESCRIPTION:Listening Session\nBlessed and blushing\, Dan Bodan\, Keta Gavasheli\nFür einen Abend verwandelt sich Ebene -2 des mumok in eine Bühne für experimentelle Musik. Klänge zwischen Erinnerung und Gegenwart\, zwischen Tonband\, Stimme und KI-generiertem Sample\, zwischen Euphorie und Melancholie – geschichtet\, unperfekt\, mal fragmentiert\, mal treibend. Musik zum Hinsetzen und Hinlegen\, ebenso wie zum genauen\, aktiven Hinhören. \nDie Listening Session findet innerhalb von Tolia Astakhishvilis Ausstellung Figure of the Child statt\, in den von der Künstlerin für den Raum geschaffenen Hosting-Strukturen. Künstler*innen\, deren Arbeit Astakhishvilis Welt auf eigene Weise weiterdenkt\, laden an diesem Abend zu einem nahen\, konzentrierten Zuhören ein. \nProgramm \nFirst Utter ist ein hybrides Set / eine Performance von Keta Gavasheli aus Kassettenaufnahmen\, Stimme\, Bewegung und akustischer Gitarre\, das Mutterschaft\, Distanz\, Dialog und den instabilen Raum zwischen Erinnerung und Stimme erkundet. Es entsteht aus einem fortlaufenden Austausch mit der Mutter der Künstlerin\, die in Georgien lebt – einer Leseübung über die Distanz hinweg\, bei der beide am Telefon Texte über Mutterschaft lesen und übersetzen. Fragmente von Mina Loys Parturition\, Bernadette Mayers Midwinter Day und Clarice Lispectors Água Viva treten neben Feldaufnahmen\, Alltagsgeräuschen und akustischer Gitarre in diesen Klangraum. \nDer in Paris ansässige Künstler Blessed and blushing arbeitet multidisziplinär. Er samplet ausschließlich Audiomaterial\, das mit KI-Programmen generiert wurde\, und gilt als Pionier dieser Praxis. Seine Musik bewegt sich zwischen loop-basiertem Hip-Hop\, nostalgischem Pop und Dance-Elementen\, mit Vocals\, die im Uncanny Valley changieren. Seine Arbeit erzeugt ein Gefühl falscher Nostalgie: Klänge\, die an vertraute Songs erinnern\, jedoch stets von einer KI-bedingten Dissonanz durchzogen sind. \nDan Bodan ist ein musikalisches Projekt aus Berlin\, bekannt für seine Pop-Veröffentlichungen auf DFA Records. Neben seiner Solomusik bewegt er sich immer wieder auch in der zeitgenössischen Kunstwelt – als Komponist für Kammermusik und Film sowie in Zusammenarbeit mit bildenden Künstler*innen an multimedialen Projekten in ganz Europa. Im mumok spielt er Songs von seinem kommenden Album Dog Album (Plot Toy\, erscheint im Herbst 2026).
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SUMMARY:Trio Stopkontakt: Bogner/Eberhard/Gross
DESCRIPTION:Trio Stopkontakt\nFlorian Bogner – Elektronik\nAlexander J. Eberhard – Bratsche\, FX\nIgor Gross – Perkussion \nOn the Couch  \nist eine Studiokonzertreihe mit Hauskonzertcharakter\, die monatlich (außer im Sommer) an einem Donnerstagabend im Studio Eberhard\, in der Salesianergasse 10/1 um 20 Uhr stattfindet. Entstanden ist sie 2012 aus einer Klangkunstausstellung des deutschen Musikrates. Kuratiert und organisiert vom Kulturverein On the Couch – zur Förderung von Kunst und Kultur in der Gesellschaft. Bisher fanden über 100 Konzerte statt. Der Schwerpunkt liegt auf aktueller Neuer Musik.\nDie Idee entstand aus dem Bedürfnis heraus\, professionelles Musikschaffen in die Intimität eines Salons zu bringen. Dadurch bietet sich die Möglichkeit\, MusikerInnen und Publikum nah zusammenzuführen\, sich über das Gehörte und Erlebte auszutauschen. Es geht um eine persönliche Gegenseitigkeit\, die im herkömmlichen Konzertbetrieb nicht vorkommt.
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LOCATION:Studio Eberhard\, Salesianergasse 10/1\, Wien\, Wien\, 1030\, Austria
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SUMMARY:Eat me Cosmos
DESCRIPTION:Swallowing space and time\, this durational performance swings dangerously close to its surround in simultaneously evoking theatrical perception and uneventful meditative drama. In it\, object\, sound and motion churn in and spit out a single performer’s sustained effort to maintain the center of everything all at once at Reaktor’s grand hall. Melanie Maar and Christian Schröder create a field of attention for performer and audience alike\, conjuring a continuum between hard-earned individual agency and a pleasurable surrender to collectively being eaten alive. \n‘Melanie Maar and Christian Schröder have been working together for over a decade. Though one of these artists generally works with sound and the other with bodily movement\, neither subscribes to categorization\, staying in one’s lane\, or conventional roles and boundaries in the realms of music\, performance and art.’
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SUMMARY:UneExpEctEd #7
DESCRIPTION:Ian Mikyska : viola da gamba + bass recorder + feedback banjo\nYoram Rosilio : Kontrabass\nValentin Duit : Drums
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SUMMARY:Kaplan & Valencia · Hübsch aber verstrahlt
DESCRIPTION:Kaplan-Valencia dúo brings together two distinctive voices from the international free improvisation scene: María Valencia (alto saxophone and clarinet) and Leonel Kaplan (cornet\, trumpet). Drawing on decades of combined experience across Latin America\, Europe\, and the United States\, the duo creates a live performance rooted in spontaneous interaction\, extended techniques\, and a shared sensitivity to texture\, breath\, and silence. Their music moves between fragile\, translucent sound surfaces and moments of dense intensity\, exploring the acoustic possibilities of their wind instruments in dialogue. Rather than following a fixed score\, the performance unfolds in real time\, allowing the space and the moment to shape the result. This echoraum performance is the official presentation of the duo’s new release „Translúcidas Criaturas Pulsantes“ (Relative Pitch Record)\, offering an opportunity to experience this collaboration live. \nMaría Valencia\nColombian saxophonist\, clarinetist\, improviser\, and composer\, born in Bogotá. She holds a degree in Music from Javeriana University and a Master’s in Fine Arts and Electronic Arts from the University of Los Andes (Bogotá). She has performed across Colombia\, Europe\, Latin America\, and the United States\, and her work has been released on labels including Relative Pitch Records (US)\, Sonic Transmissions (NO)\, Música Corriente (CO)\, and Dur et Doux (FR). She is a member of Meridian Brothers\, one of Colombia’s most acclaimed and internationally renowned bands\, and alongside her solo projects she also plays in Hurakán Orkan\, Tarabita Espiral\, MULA\, Trío Lesión\, and Tortuga Alada. She is also a professor at Universidad del Rosario\, Bogotá. \nLeonel Kaplan\nA must-hear\, one-of-a-kind trumpeter. Born in Buenos Aires (1973) and now based in Belgrade\, Leonel Kaplan has been a singular voice in the international free improvisation scene since the early 2000s\, focused on extended techniques and the purest matters of sound. He is widely regarded as one of the most internationally projected Argentine improvisers\, and has toured and recorded worldwide alongside John Butcher\, Christof Kurzmann\, Axel Dörner\, Michel Doneda\, Klaus Filip\, Birgit Ulher\, Tetuzi Akiyama\, and Nate Wooley\, among many others. Beyond performing\, he has composed for dance\, theatre\, and light installations. His music has been released on labels such as Relative Pitch (US)\, ESP-Disk‘ (US)\, Another Timbre (UK)\, Dromos\, and Creative Sources. Critics have praised him as a dexterous and measured player\, as comfortable with silence as with sound\, whose mesmerizing approach pushes the trumpet far beyond its jazz traditions and places him at the forefront of the instrument’s contemporary language. \nHÜBSCH ABER VERSTRAHLT \nSilke Strahl und Carl Ludwig Hübsch begeben sich mit Saxophon\, Tuba und Stimme in die Wildnis der unerhörten\nTöne. Vor den Augen des Publikums entsteht Zartes\, Raues\, Filigranes und Brutales im Brennpunkt der Echtzeit.\nVertiefung\, Überraschung und einfach gute Musik schöpfen aus einem unbegrenzbarem Klangspektrum.\nStrahl und Hübsch verfeinern täglich ihr Werkzeug und ihre Klang-Paletten. Daher ist ihr Spiel ist ebenso persönlich wie\ngrundlegend offen für all das\, was da kommt und geht. \nGeboren 1988 in Bad Saulgau\, genoss Silke Strahl im Alter von 9 Jahren ihren ersten Musikunterricht. Das Studium der elementaren Musikpädagogik an der Hochschule für Musik und darstellende Kunst Stuttgart begann sie 2008. Ab 2010 studierte sie zusätzlich klassisches Saxophon bei Nikola Lutz. Ein Erasmus Aufenthalt führte sie nach Luzern\, wo sie den Instrumental-Bachelor und das Masterstudium “Interpretation of contemporary music“ bei Sascha Armbruster und Beat Hofstetter abschloss. Silke ist in verschiedenen Ensembles tätig mit denen sie u.a. zeitgenössische Werke uraufführt oder interdisziplinäre Projekte verwirklicht. Ein weiterer Schwerpunkt ihrer Arbeit ist die freie Improvisation. Hier steht sie unter\nanderem mit Hans-Peter Pfammatter\, Christian Weber\, Kevin Sommer\, Raphael Loher\, Tizia Zimmermann oder Lucas Niggli auf der Bühne. Ausserdem ist sie als Aushilfe und Zuzügerin in verschiedenen Orchestern und Ensembles\, wie dem Sinfonieorchester Basel\, zu hören. Sie gewann 2019 mit ihrem Duo Klexs den zweiten Preis des renommierten\nWettbewerb Concours Nicati und 2016 den Edwin-Fischer- Anerkennungspreis\, sowie den Soundzz.z.zzz…z- Wettbewerb des Lucerne Festivals. Ausserdem engagiert sie sich aktiv für die Luzerner Kulturszene\, im Forum Neue Musik Luzern und dem Mullbau Luzern. \nCarl Ludwig Hübsch komponiert für kleine und grosse Besetzungen intuitiver oder Neuer Musik und ist als Tubist ein im In- und Ausland gefragter Improvisierer oder Interpret. Er studierte Komposition meist autodidaktisch\, jedoch auch z.B. als Gaststudent in der Kompositionsklasse von Johannes Fritsch in Köln. Hübsch komponiert für verschiedene Ensembles wie z.B. das Multiple Joy[ce] Orchestra in Köln\, seine eigenen Gruppen oder für Kompositionsaufträge. Sein kompositorisches Schaffen stellt den Interpreten als kreative Instanz im Umgang mit vorab komponierter Musik in den Mittelpunkt. Seit 1989 tritt Carl Ludwig Hübsch regelmäßig mit herausragenden bekannten und unbekannten Meistern seines Metiers zusammen auf. Hübsch hat drei Bücher mit Interviews mit Improvisierenden Musiker*innen veröffentlicht und veranstaltet die „Plattform Nicht Dokumentierbarer Ereignisse“ in Köln.
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SUMMARY:Steve Bates\, knuRRhahn
DESCRIPTION:Steve Bates \nSteve Bates is an artist and musician. Through his work he listens to thresholds\, boundaries and borders\, points of contact and conflict. Information and signal feed back onto themselves creating new situations and events. Sometimes unpredictable and chaotic\, at other times this same feedback is used as a way to provide stability. The history of ideas\, experiences\, and materials are an influence on his work and often lead to a research-heavy path resulting in suites of work around a theme. Recent topics have included the history of barbed wire\, the night as a space of freedom and libidinal desire\, feedback as it occurs in sound and video art\, politics\, economics\, and biology\, pathological and non-pathological auditory hallucination and most recently\, the sound of Hell. Or hells. The sonic is the starting point for his projects which are evocations of communication networks and systems\, or expressions of spatial and temporal experience. He frequently works with material in situ and in relation to their sites while at the same time recognizing the many complexities involved in working this way. He releases music both solo and collaboratively\, often through his own small scale publishing and curatorial project\, The Dim Coast\, which he runs with artist\, jake moore. His work has been performed and exhibited in Canada\, the USA\, Europe\, Chile and Senegal. He works in the field\, on the air\, in museological/gallery and performance contexts. These shifting territories reflect the content of his practice. \nknuRRhahn \nThis instrumental duo is dedicated to conversations between instrumental and electronic sound waves. It is a meeting of two musicians developing an improvised dialogue which melts sonic textures and musical gestures into manifestations of movement and stillness. Their aim is to lead the audience towards a practice of active listening within various figurations between silence and noise. The sublime timbres of the Paetzold-Recorder and other reed instruments meet pulsating oscillators\, abstract sound layers and noise elements from analog and digital electronic instruments. This results in expressive to meditative acoustic formations with vigorous effect on the recipient. \nThe duo works together since 2016. They have performed a number of concerts and continue to develop their common sonic vocabulary and use of musical forms \nDoors: 19:30 · Start: 20:30
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SUMMARY:Nick Neuburg | knuRRhahn
DESCRIPTION:Nick Neuburg\nis a percussionist/improviser originally from South Florida based out of Brooklyn\, NY. During recent years\, Nick has focused primarily on solo percussion performance\, and has two solo records out currently: For 1 and 2 Surfaces (2025 Empty Stage Records\, and Cryptic Exaltations (2023 1039 Records). Neuburg’s various other projects and collaborations include a duo with bassist Brittany Karlson\, The Great Link\, Sam Newsome’s Trio\, several trios with pianist Eli Wallace\, and Steven Long’s PRNCX among many others. \nknuRRhahn – Blockflöten und Elektronik\nReni Weichselbaum – Blockflöten\nBernhard Loibner – Elektronik \nDas Instrumental-Duo KnuRRhahn widmet sich der Konversation von elektronischen Klangquellen mit instrumentalen Blockflötensounds. Hier treffen zwei MusikerInnen aufeinander\, die einen improvisierten Dialog entwickeln\, in dem klangliche Texturen und musikalische Gesten zu Manifestationen von Bewegung und Ruhe verschmelzen. Ihr Ziel ist es\, die Zuhörerin* zu einem aktiven Hörerlebnis zwischen mannigfaltigen Figurationen von Stille und Geräusch zu führen. Die außergewöhnlichen Klangfarben der Paetzold- und anderer Blockflöten treffen auf pulsierende Oszillatoren\, abstrakte Klangflächen und Lärmelemente aus analogen und digitalen elektronischen Instrumenten. Dabei entstehen komplexe\, expressive bis meditative akustische Bilder mit intensiver Wirkung auf die Rezipientin*.
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SUMMARY:false cathedrale
DESCRIPTION:Neue Musik in St. Ruprecht proudly presents: false cathedrale \nMaura Knierim | Harfe\nGeorg Volkert | Elektronik\nFlorian Rabl | Technik \n\nfalse cathedrale ist eine Konzertperformance\, die sich aus zwei kontrastierenden und zugleich unmittelbar im Bezug zu- bzw. auseinander (ent)stehenden Teilen zusammensetzt.\nAusgangspunkt ist das Werk Cathédrale II\, Mobile für 2-16 Harfen\, wobei sich in diesem Fall für die Version für 8 Harfen entschieden wurde: Harfe Solo live und 7 weitere Harfenstimmen in zugespielter Form. Roman Haubenstock-Ramati konzipierte das Werk Cathédrale II als Raummusik\, was quasi als Klanginstallation zu begreifen ist.\nAus diesem ersten Teil wird in Folge in einem Zusammenspiel von Harfe und Live-Elektronik der zweite Teil false cathedrale entwickelt\, was den eigentlichen Spannungsbogen der Performance darstellt. Die Elektronik bedient sich an den Bausteinen des Ursprungswerks Cathédrale I. Allerdings wird das Tonband-Material sowie das freie Zuspiel der Harfe nun in Echtzeit bearbeitet\, umgeformt\, weitergestaltet und völlig frei verarbeitet. Es entsteht eine neue\, in Echtzeit gestaltete Komposition der Kathedrale\, die sich nun durch ihre Fluidität und De-Formation auszeichnet. \n27. September 2026\n20:00 pünktlich\nRuprechtskirche / Ruprechtsplatz 1 / 1010 Wien\n10€/5€
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